Archive for the ‘Noticias’ Category

Silfrido Ibarra. Panamá y sus paisajes en NG Art Gallery

Silfrido Ibarra cursó estudios en la Escuela de Bellas Artes de Chiriquí y en La Universidad Nacional de Costa Rica. En 1987, obtuvo el Tercer Premio en el Concurso Nacional de Pintura de Panamá. Su obra aborda la temática del paisaje, desde un academicismo virtuoso, resaltando una visión poderosa de la naturaleza panameña. Sobre su trabajo, Pedro Luis Prados ha dicho:

En Silfrido Ibarra el arte es expresión de impresiones, en la cual la carga subjetiva, ese largo proceso de interiorización del mundo, se desdobla y restituye en nuevas realidades, recreadas por el arte. Surge de esta forma una nueva via de interacción de la conciencia y el mundo, dando contenidos y significados imponderables al acto de creación. El mundo de sueños que nos brinda el artista ofrece también nuevas esperanzas al sentido que tiene el arte como forma de liberación y realización del hombre.

El trabajo de Silfrido Ibarra ha sido expuesto de forma individual y colectiva en Panamá, Costa Rica, Perú, Chile, Estados Unidos, Ecuador, República Dominicana, Cuba y Colombia, entre otros. Para NG Art Gallery es un placer genuino incluir su nombre entre la nómina de artistas que representa.

agosto 23, 2022

Espacios en Diálogo | NG Art Gallery

La muestra Espacios en diálogo reúne a un grupo de artistas que se mueven, cómodamente, entre una escala pública y otra, más íntima. Obras que le hablan a un único espectador, pero que en su voz contienen la esencia de quien se sabe capaz de crear para muchos.

Así, dialogan en una misma sala el trabajo de artistas como Mr. Brainwash y Okuda San Miguel, que comenzaron sus carreras en el arte urbano; con otros que, desde el espacio privado de la galería, han tomado la escala pública en más de una ocasión, como son Isabel de Obaldía, Cisco Merel, Benjamín Ossa, o Emmanuel Moses. También se encuentran casos como los de Adrián Fernández y Jorge Otero que, al transgredir la escala habitual de sus trabajos, han cambiado también sus manifestaciones, moviéndose de la fotografía a la escultura monumental y al performance instalativo, respectivamente. O Rafael Villares, cuya carrera ha desarrollado en paralelo una afinidad equitativa por obras de pequeña y gran escala.

Adrián Fernández, Monumento al hombre incompleto, Detrás del Muro, 13ma Bienal de La Habana, 2019

Adrián Fernández es un caso peculiar dentro del arte contemporáneo, moviéndose con igual comodidad entre la fotografía y la escultura.En su caso, al ampliar la escala, apela a una tercera dimensión que recrea sus metáforas sociales. Entre otros reconocimientos, su serie Memorias Pendientes fue seleccionada en el 2019 por el jurado Yasufumi Nakamori, Curador de la Tate Modern, como parte de la prestigiosa revista Lens Culture.

Cisco Merel junto a Estudio Modular, Panamá Pacífico, Panamá

Por otro lado, la producción artística de Cisco Merel se basa en una rigurosa investigación formal y espacial en donde la geometría, la arquitectura, el color, la abstracción y los fenómenos visuales y sensoriales funcionan también como tema principal. En proyectos recientes Cisco ha vuelto a sus inicios en en el arte urbano, llevando a una escala pública series como La Máquina del Flow, o Estudio modular.

Cisco Merel, La máquina del Flow, Panamá

El singular lenguaje iconográfico de Okuda San Miguel, formado por estructuras geométricas y patrones multicolores, junto a su activa participación en grandes proyectos de calado social, lo han convertido en uno de los artistas más reconocidos y admirados del mundo. Destacan logros como el de ser el primer artista contemporáneo requerido para la creación de la Falla Municipal de Valencia; su espectacular itinerario de esculturas por el paseo marítimo de Boston; o su participación en Titanes, proyecto de inclusión social a través del arte.

Okuda San Miguel, Intervención sobre la fachada del Château de La Valette en Francia.

Emmanuel Moses, por su parte, ha desarrollado una obra en la que se vale de la geometría y los colores puros para lograr la profundidad y el movimiento a partir del plano. Llevar sus temas al ámbito público le ha permitido en varias ocasiones acceder a un rango más amplio de lecturas. Tal es el caso de Diálogo, en La Habana, donde dos portales interconectados desde colores complementarios al espacio urbano funcionan como umbrales al pasado, a la memoria de la ciudad; pero también a sus sueños, a sus posibles futuros.

Emmanuel Moses, Diálogo, 14ma Bienal de al Habana. Cuba.

Desde sus inicios en el arte urbano junto a Banksy, la obra de Mr. Brainwash (pseudónimo del artista Thierry Guetta) se ha vuelto una marca establecida globalmente. En sus colaboraciones con fines sociales ha involucrado a figuras como Stan Lee, la legenda del fútbol Pelé, o incluso al papa Francisco.

Mr. Brainwash frente al Mural en conmemoración por la muerte de Kobe Bryant y su hija, en Los Ángeles, CA, EEUU.

También fue presentada la obra de Benjamín Ossa, que aborda problemáticas de percepción entre el individuo y el espacio. Su estudio de los fenómenos, y sus desplazamientos a obras en espacios públicos, apela a la experiencia y utiliza la luz y el sonido como material y herramienta de trabajo. Además de su reciente participación en la 13ma Bienal de la Habana, la prestigiosa editorial Phaidon, de Londres, lo ha incluido en Prime: Art´s Next Generation, como uno de los artistas contemporáneos más innovadores e interesantes de esta próxima generación.

Por otro lado, se exhiben piezas de Rafael Villares. Todo su trabajo gravita alrededor de la relación entre el espacio y quien lo habita, precisamente porque la percepción sensorial es un acto no sólo físico, sino también cultural. Gracias a su peculiar forma de entender las subjetividades del paisaje, además de su participación en la Bienal de Vancouver, la Bienal de Venecia y su reciente beca en Yale University, piezas como Árbol de Luz o Paisaje itinerante han merecido reconocimientos de renombre, como es el Arte Laguna Prize de Venecia.

Rafael Villares, Árbol de Luz, Oncena Bienal de la Habana, Cuba.

Otros artistas, como Jorge Otero se extienden en su obra, mediante símbolos, a través de las tradiciones y la Historia de su país. Su trabajo fotográfico habla de estos relatos utilizando el tejido como una fuente inagotable de metáforas y procesos. En las ocasiones en que su obra ha ampliado sus límites, más allá del espacio de la galería, se ha volcado a otras manifestaciones, como la instalación o el performance, pero siempre ha mantenido esa intención cuestionadora en su esencia.

Jorge Otero, 19.30, 13ra Bienal de La Habana, 2019

Cada obra de arte ha sido creada, en cierta medida, desde un diálogo con el lugar que está destinada a ocupar. Hay piezas pensadas con proporciones minúsculas, con límites claros, como los de un relato, donde prima el detalle, y hasta el más ínfimo de los elementos cumple una función trascendental. Otras, de una amplitud infinita, son concebidas más como experiencias que fluyen, del mismo modo que un cuerpo de agua, por los sentidos del espectador.

agosto 22, 2022

Okuda San Miguel. «Lo importante no es la solución sino el camino hacia ella»

Para NG Art Gallery, resulta un grato placer incorporar a Okuda San Miguel a su nómina de artistas. Nacido en Santander en 1980, Okuda San Miguel reside actualmente en Madrid, España, donde también tiene su estudio. Licenciado en Bellas Artes, por la Universidad Complutense de Madrid, ha sabido desarrollar un singular lenguaje iconográfico, formado por estructuras geométricas y patrones multicolores.

Kaos Temple, fue una iniciativa por parte del artista Okuda San Miguel para hacer posible la transformación de la llamada Iglesia Skate. La cual está ubicada en Llanera, Asturias y se trata de un auténtico templo dedicado al skate y al arte urbano.

Tras el punto de inflexión en su carrera que supuso Kaos Temple -o la reconversión a finales de 2015 de una iglesia/skate-park en hito del arte contemporáneo-, Okuda es a día de hoy reclamado a nivel internacional por instituciones culturales y marcas privadas; tanto por sus proyectos públicos a gran escala, como por su propia y heterogénea práctica de estudio, iniciada en 2009. 

Okuda cuenta en su haber con intervenciones murales y escultóricas, exposiciones en galerías y museos que han podido ser disfrutadas en los cuatro continentes. Destacan logros como el de ser el primer artista contemporáneo requerido para la creación de la Falla Municipal de Valencia; su espectacular itinerario de esculturas por el paseo marítimo de Boston; o su participación en Titanes, proyecto de inclusión social a través del arte.

Equilibrio Universal, Valencia, España, 2018

Su uso del color y la geometría se mezclan en sus creaciones con formas orgánicas, dando lugar a una simbología que anima a la reflexión a través de piezas que podrían clasificarse como Surrealismo Pop, pero con una clara esencia de la calle. Buscando inspirar al espectador, sus obras plantean cuestiones universales que, sin embargo, dejan en manos del público la interpretación final de las mismas. 

Air, sea, land, Boston, Massachussets, USA, 2018

Sobre su obra, el propio Okuda ha dicho:

Tanto en el estudio como en la calle, no me gusta dar mensajes cerrados pero sí hablo de temas universales. Yo intento abrir caminos en lugar de tratar de dar respuestas cerradas. Desde mi punto de vista, lo importante no es la solución sino el camino hacia la misma. Por ello, el mío no es un mensaje cerrado sino abierto a interpretaciones, tanto del que ve mi obra paseando por la calle como del que la observa expuesta.  

agosto 20, 2022

José Ángel Vincench | Decir lo que pienso. Pensar lo que digo

Cada palabra contiene un mensaje, un concepto, un signo que la identifica frente al resto. Sin embargo, este cambia, casi de forma imperceptible, dependiendo de quien la use. Su diseño es alterado, según del contexto en que se emplee. Cada palabra tiene el poder de ser muchas palabras.

José Ángel Vincench rastrea en su obra esas distintas voces que cargan ciertas palabras y las proyecta en sus piezas con un trato dulce y terminación impecable. Su trabajo bebe de la abstracción geométrica, muy propia del arte latinoamericano. Y más allá de las formas, también la materia cobra importancia, con la reiteración constante de las láminas de oro y plata sobre el lienzo.

“Decir lo que pienso. Pensar lo que digo” es la primera exposición personal de Vincench en Ciudad de Panamá, y una síntesis de lo que ha sido su trabajo en los últimos años. Una muestra que combina la ligereza y la frescura visual del diseño de sus piezas, con el peso enorme de las palabras que utiliza.

La muestra ocupará las salas de NG Art Gallery a partir del martes 14 de junio de 2022.

junio 8, 2022

Benjamín Ossa entre los 100 artistas de la próxima generación de PRIME

Benjamín Ossa ha sido incluido entre los 100 artistas emergentes a tener en cuenta de esta próxima generación, recomendados por la prestigiosa editorial Phaidon en su reciente publicación: «PRIME. Art´s next Generation».

De acuerdo con los editores de Phaidon, el libro reúne a «las estrellas emergentes más emocionantes del arte contemporáneo» (The most exiting rising stars in contemporary art), nacidos a partir de 1980; una contundente investigación, que auna a las producciones artísticas más innovadoras e interesantes de todo el mundo, a través de las diversas manifestaciones.

Parafrasenado la nota de Phaidon sobre el libro, estas son las superestrellas del arte del mañana, seleccionadas por los futuros líderes del mundo del arte: los curadores, escritores y académicos que miden el pulso de la cultura y arte contemporáneos.

Las nominaciones para esta lista provinieron de más de 100 instituciones artísticas en todo el globo, entre las que se incluyen: Baltimore Museum of Art; Bellas Artes Projects (Manila); ESPAC (Mexico City); The Factory Contemporary Arts Centre (Ho Chi Minh City); KW Institute for Contemporary Art (Berlin); MoMA (New York); Museo de Arte Moderno (Medellín); Museums Victoria (Melbourne); RAW Material Company (Dakar); Sharjah Art Foundation; Studio Museum in Harlem (New York); Tai Kwun Contemporary (Hong Kong); Tate Modern (London); Whitechapel Gallery (London); Whitney Museum of American Art (New York); y el X Museum (Beijing).

Desde la familia NG extendemos una gran felicitación a Benjamín Ossa por este reconocimiento, el cual estamos seguro que es solo un paso más en la gran carrera que le depara el futuro.

mayo 25, 2022

Sandra Monterroso conquista Nueva York con su «Altar para pájaros»

Altar para pájaros es el título de la primera muestra personal de la artista guatemalteca Sandra Monterroso en Nueva York. Con la coherencia estética a la que ya nos tiene acostumbrados en su obra, Monterroso erige un altar a la cultura precolombina en el Instituto de Visión (con sede en 88 Eldridge Street, 5th floor. New York, NY, 10002).

La exhibición ahonda en su exploración sobre los conflictos postcoloniales y la riqueza monumental de culturas como la Maya, de la que la propia Sandra es heredera. Las polémicas sobre los procesos de apropiación cultural y los entramados históricos que entretejen relaciones entre los pueblos originarios y sus conquistadores son algunas de las aristas exploradas por Monterroso en sus obras.

El éxito de la muestra ya se ha visto reflejado en artículos como el de la historiadora del arte Silvia Benedetti (Weaving an Altar to Guatemala’s Pre-Hispanic Glory), en Hyperallergic, el de Beatriz López, curadora de la muestra, en Artishock.

mayo 24, 2022

Rafael Villares en la 59na Bienal de Venecia

Fundada en 1895, la Exposición Internacional de Arte de Venecia, conocida hoy como La Bienal de Arte de Venecia, es considerada en su género, la más importante de Italia y una de las más relevantes del mundo. Celebrando su 59na edición en este 2022, el Pabellón Nacional de Cuba presenta, entre otros, a Rafael Villares.

Tierra Ignota es la propuesta que ha traido Villares a Venecia. Quien sin lugar a dudas es considerado uno de los nombre más prometedores de su generación, ha entrado en la ciudad de los canales por la puerta grande, con una muestra que analiza, desde varias aristas nuestra relación con nuestro entorno.

Tierra Ignota reune trabajos de 3 series capitales, dentro de la obra de Villares. Cada una demuestra, desde posturas complementarias, las preocupaciones que ha abordado el artista durante su carrera, en relación delicado momento que nos ha tocado vivir como especie. La serie Paradoja topográfica, por ejemplo, despliega un razonamiento sobre los ciclos de muerte y resurrección en los que se encuentra el mundo actualmente, el calentamiento global, y el tiempo como un bucle inacabable. También exhibe piezas de su serie Fragmentos de Mundo, en donde una montaña de mapas y escombros no solo nos muestran un mundo fragmentado y caótico, sino cubierto por límites y fronteras efímeros, que solo existen en la mente del hombre. Finalmente, corona la sala un dibujo de la serie Inmersion, en donde se las similitudes entre un paisaje montañoso y el lecho marino nos hacen cuestionar nuestra relación con nuestro entorno.

Visto como un paso más en la secuencia de eventos de la carrera artística de Rafael Villares, esta participación en la Bienal de Venecia no solo suponía el próximo peldaño lógico en el horizonte de este prometedor artista, sino además una nueva puerta de posibilidades que se abre ante sus ojos.

mayo 24, 2022

Cisco Merel | Convergent Evolution

A partir del jueves 21 de abril de 2022, NG Art Gallery estará exhibiendo en sus salas la muestra personal de Cisco Merel Convergent Evolution. Cisco Merel dio sus primeros pasos en el mundo del arte a través del graffiti y el street art, llegando a formar parte de prestigiosas publicaciones, como es el caso de «100 Sculptors of Tomorrow», publicado por la prestigiosa editorial Thames & Hudson. Actualmente Cisco Merel es considerado por muchos como uno de los nombre más relevantes del arte panameño contemporáneo.

Sobre esta exposición, el artista y curador Jonathan Harker nos cuenta lo siguiente:

En Convergent Evolution, Cisco presenta una serie de ensamblajes geométricos abstractos que oscilan entre la pintura y la escultura, conformando entre ellas una especie de tipología topológica modular, en la cual tres elementos primarios –el barro, el acero inoxidable y el color– convergen en quince piezas nuevas de diversos tamaños y configuraciones. Para Cisco, cada uno de esos tres elementos posee sus propias cualidades plásticas y cargas simbólicas, y a través de su repetida combinación y recombinación, él busca evocar algunas de las experiencias de vida que tuvo creciendo entre la capital y el interior, y
también comentar sobre ciertas idiosincrasias culturales y políticas de la sociedad panameña.

El término evolución convergente proviene de la biología evolutiva, y denota el proceso por medio del cual organismos distantemente relacionados desarrollan rasgos similares de manera independiente para adaptarse a entornos comunes. Un ejemplo clásico es la recurrente evolución del vuelo: insectos voladores, pájaros, murciélagos y pterosaurios (Q.E.P.D.), cada uno por su lado y a su manera, pero todos por necesidad, desarrollaron la útil capacidad de volar. Cisco y yo intuitivamente decidimos apropiarnos del concepto de evolución convergente para titular esta muestra, de paso adaptándolo a conveniencia
para dilucidar sobre los procesos graduales de ensayo, error, modificación y acierto que él atravesó al experimentar con el uso combinado del color, el acero y el barro antes y durante la concepción y producción de las piezas aquí exhibidas.

Cisco Merel trabajando en su estudio en Ciudad de Panamá

Cisco lleva más de dos décadas explorando el universo del color, y su uso –especialmente el de ciertas tonalidades saturadas comúnmente asociadas con la arquitectura afro-antillana, la rotulación tradicional, los diablos rojos y muchos tipos de anuncios publicitarios– es emblemáticamente recurrente en su obra. En esta exhibición el elemento cromático utiliza cortes de PVC como soporte, cada uno meticulosamente lijado para maximizar su capacidad de absorción, lo cual le confiere a los colores utilizados una intensa e hipnótica profundidad mate que atrae y atrapa la mirada como juguete de paquete.

Bruñido hasta que refleje luz como si fuese espejo, el acero inoxidable pulido comenzó a figurar en el trabajo de Cisco más recientemente, en obras como Reflex (2017), y Espejismo La Habana (2019). Para Cisco, el acero representa la idea del espejo y también el espejismo, un elemento que nos refleja una imagen (distorsionada) de quiénes somos y nos confronta con las resbaladizas quimeras de nuestros sueños y aspiraciones colectivas, para bien y para mal. Como material de construcción el cristal representa sobretodo la arquitectura moderna y post-moderna característica de la turba de torres
corporativas que rasgan los cielos de la ciudad de Panamá; y aunque la idea del vidrio es exánime y fría, como materia atrapa y potencia el calor, lo cual lo hace poco apto para el suda que suda incesante de nuestro clima neotropical.

Diametralmente opuesta a la fría tersura sintética y reflectante del acero pulido está el rugoso craquelado orgánico del barro, cosmogónico y milenario material de construcción (en la tradición judeocristiana “Dios creó al hombre del polvo de la tierra; de barro lo formó.”), estrechamente asociado a la infancia y adolescencia de Cisco, quien pasaba largas temporadas de visita veraniega en la antiquísima casa de
piedra, tierra y quincha de su abuela Mercedes, ubicada en Sabanagrande, provincia de Los Santos. Cisco comenzó a ensayar con el barro en su obra hace a penas cinco años, cuando pasó una temporada prolongada en Pedasí, periodo durante el cual produjo varias esculturas prototípicas de tierra seca y participó en una junta de embarre que lo marcó profundamente. Ya de vuelta en la ciudad, continuó
experimentando esporádicamente con distintos tipos de tierra, fango, légamo y cieno, calibrando su espesor, viscosidad, textura y contextura para diferentes usos en diversas obras. En marzo del 2018, produjo La pisada, un happening (acción participativa) en la Casa del Soldado (CCE), donde invitó al público a jugar y bailar en el barro para ejecutar “la pisada”, uno de los gestos puntuales más icónicos de una junta de embarre. En julio del mismo año, Cisco participó en Trueque, una muestra colectiva organizada en el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá y curada por Gladys Turner, en la cual presentó Primitivo 18, (un cuadro pintado con barro y pintura acrílica sobre lienzo) y Reflex/18 (una escultura hecha de madera y espejo acrílico). Luego exhibió Terrenos (una serie de cuadros pintados con tierra y pintura acrílica sobre lienzo) en una exhibición colectiva que tuvo lugar aquí en NG Art Gallery en marzo del 201 Convergent Evolution es la primera muestra individual de Cisco que incorpora el uso del barro de manera sistemática y formal.

Color (plástico), espejo (acero pulido) y barro (tierra): materiales constructivos primarios desemejantes que convergen para esta exhibición en una serie de composiciones elementales, depuradas y potentes. ¿Pero cómo decidió Cisco ordenar esos tres materiales para crear cada pieza individual? Como de costumbre, su método de configuración se basó en la contemplación metódica del paisaje urbano panameño; en términos más específicos, los patrones o esquemas organizativos los derivó de tres fuentes
principales: estructuras observadas en la arquitectura vernácula e improvisada de barrios populares como Río Abajo, San Sebastián y Calidonia; elementos de construcción observados en zonas industriales como las que hay cerca de Bethania y Tocumen; y patrones de distribución urbana observables en imágenes cenitales satelitales de comunidades amuralladas de clase alta, como Costa del Este, Santa María o Versailles.

Convergent Evolution, una serie tipológica de ensamblajes topológicos, donde convergen color, espejo y barro, tres elementos conceptuales cargados de capas y constelaciones de significados; un recorrido por el mundo, la mirada y la mente de Cisco, donde confluyen plástico, acero y tierra, tres materiales minuciosamente tratados, abstraídos, conjugados y exhibidos con la intención de captar, sintetizar y transmitir las atmósferas exuberantes, volátiles y complejas del accidentado territorio palimpsesto psico-geográfico que llamamos Panamá.

Convergent Evolution ocupará las salas de NG Art Gallery durante el resto de abril y hasta mediados del mes de junio de 2022.

abril 18, 2022

Enrique Martínez Celaya | Museo de las Artes Huntington, Museo Fisher USC & The Rose Garden en UTA Artist Space

El artista cubano-americano Enrique Martínez Celaya (1964) se ha mantenido extremadamente ocupado estas últimas semanas. El pasado 23 de enero de 2022 lanzó 3 piezas en la Biblioteca, Centro de Arte y Jardín Botánico The Huntington; el 2 de febrero inauguró una muestra personal en el museo USC Fisher; y el 16 de febrero inauguró otra exhibición titulada The Rose Garden en UTA Artist Space.

Colaboración con The Huntington

Dos esculturas de bronce y una pintura de Celaya fueron instaladas en The Huntington Library el pasado mes de enero. Las 3 piezas son un préstamo a The Huntington y marcan los inicios de lo que será una sociedad de artes visuales por varios años entre el artista y la institución. Las esculturas tituladas The Gambler (El Apostador, una representación a tamaño natural de un niño con muletas que lleva una casa sobre sus hombros) y The Landmark (una cabeza humana de seis pies de alto colocada de lado) se unieron a otros bronces en un jardín adyacente a las Galerías de Arte Americano Virginia Steele. Por otro lado, la pintura The Crown, una imagen de un niño en un bosque con impronta de cuento de hadas, se instaló en la Galería de Arte Huntington.

«Me emociona mucho poder darle la bienvenida a Enrique y sus obras a The Huntington» dijo Christina Nielsen, directora de las colecciones de arte Hannah & Russel Kully. «Trabajando simultáneamente como artista y catedrático, Martínez Celaya es el candidato ideal para colaborar con nosotros —un lugar que unifica galerías con importantes obras de arte, investigaciones enfocadas en las humanidades, y cuyas colecciones hablan de temas como la identidad, la historia, la memoria y la naturaleza.»

Catherine Hess, curadora en jefe de Arte Europeo en The Huntington, quien coordinó el arreglo con Martínez Celaya, dijo: «El contenido de la obra figurativa de Enrique es conmovedor y poético. Creo que estas 3 extraordinarias obras presentan imaginarios y mensajes que serán accesibles de nuevas formas para nuestra audiencia. No puedo esperar para ver qué resultados producirán durante su tiempo acá.»

Muestra personal SEA SKY LAND en el Museo de Arte USC Fisher

SEA SKY LAND (Mar Cielo Tierra) unifica aproximadamente 30 pinturas de gran formato y esculturas creadas por Celaya entre el 2005 y el 2020. Aunque Martínez Celaya ha tenido numerosas exposiciones en museos y galerías por todo el mundo durante las últimas 2 décadas, esta es la primera vez que que el arco de su práctica será exhibido en un museo de California del Sur desde el año 2001.

Simultáneamente a SEA SKY LAND, una exposición de la obra de Martínez Celaya relacionada con el poeta californiano de principios del siglo XX, Robinson Jeffers, estará a la vista en la Biblioteca Conmemorativa Edward L. Doheny Jr. de la USC, junto con material histórico del poeta. La exposición se basa en la reciente residencia de Martínez Celaya en Robinson Jeffers Tor House en Carmel, California, donde fue invitado a ser el primer becario de la fundación. Una versión ampliada de la exposición de la Biblioteca Doheny viajará al Museo de Arte de Monterrey, en mayo de 2022.

Exposición Personal The Rose Garden en UTA Artist Space

UTA Artist Space and Unit London ha anunciado un nuevo espacio inmersivo por Enrique Martínez Celaya. El Rose Garden ha unido ambiciosamente nuevas pinturas, esculturas, instalaciones, fotografías, vestidos, y escritura, invitando espectadores a considerar el yo -tanto como promesa y como amenaza- a través de la adivinación mística de la memoria.

En este cuerpo de trabajo nuevo y multifacético, el artista utiliza Cuatro Cuartetos, de TS Eliot, como un punto de entrada para explorar nuestra memoria colectiva, algo más amplio, más permanente y más irreparable que la memoria individual, y que nos pertenece a todos. En esta exposición, como en proyectos anteriores, Martínez Celaya vuelve a preocuparse por el hambre existencial, la crisis, el caos, el orden, el tiempo, la redención, la realidad y el amor, aquí unidos por el hilo de las palabras de Eliot.

Las tres galerías de UTA Artist Space fueron intervenidas por los entornos inmersivos de Martínez Celaya, que incluyen una sala de lágrimas dominada por una luna de sangre, fotografías de jardines y cuerpos, una figura quemada en un asiento de rosas, una prenda usada por campeones del amor y muchos otros trozos luminosos extraídos de la vida.

«Durante mucho tiempo he admirado a Enrique Martínez Celaya como individuo y artista con gran pasión. Él entrelaza de manera convincente grandes ideas filosóficas en su arte y nos hace ver el mundo de nuevas maneras. UTA Artist Space y la ciudad de Los Ángeles tienen la suerte de tenerlo «, dijo Arthur Lewis, director creativo de UTA Fine Arts y UTA Artist Space.

Vistas colectivamente, estas obras y las exposiciones individuales simultáneas del artista en los museos de Los Ángeles (en The Huntington Library, Art Museum y Botanical Gardens; Museo de Arte USC Fisher; y la Biblioteca Conmemorativa Edward L. Doheny Jr.) nos recuerdan el poder que tiene el arte para cambiar nuestra percepción del mundo y de nuestro ser interior.

febrero 17, 2022

Luis Cruz Azaceta & Glexis Novoa | Paisaje al Límite 2

Regresa a NG Art Gallery Gerardo Mosquera, con otra curaduría que aborda los derroteros del paisaje contemporáneo, en este caso materializados en la obra de Luis Cruz Azaceta y Glexis Nova.

Gerardo Mosquera es un curador, crítico, historiador de arte, y escritor independiente, con sede en La Habana, Madrid y el mundo. Asesor de la Rijksakademie van Beeldende Kunsten en Ámsterdam y de otros centros internacionales de arte. Fue cofundador de la Bienal de La Habana (1984-1989), Curador del New Museum of Contemporary Art, Nueva York (1995-2007), y Director Artístico de PhotoEspaña, Madrid (2011-2013).

Ha curado numerosas bienales y exposiciones internacionales. Autor y editor de numerosos textos y libros sobre arte contemporáneo y teoría del arte, publicados en distintos países e idiomas. Su último libro, Arte desde América Latina (y otros pulsos globales), apareció recientemente en Ediciones Cátedra, Madrid. Es miembro del consejo asesor de varias revistas internacionales. Ha impartido conferencias en los cinco continentes. Recibió la Beca Guggenheim, Nueva York, en 1990. En sus propias, respecto a Paisaje al Límite 2:

«Esta muestra continúa la presentación en NG Art Gallery de artistas que transforman el viejo género del paisaje, al usarlo más como un medio que como un fin en sí mismo. En el 2019 fue una bipersonal de los guatemaltecos Alfredo Ceibal y Roberto Escobar, y ahora otra de dos cubanos, también de generaciones alejadas en el tiempo. Se muestran así ejemplos importantes de una tendencia del arte contemporáneo que libera y enriquece la representación del paisaje, llevándola al tope de sus posibilidades funcionales.

Luis Cruz Azaceta (1942) es un clásico: uno de los grandes artistas mundiales del neoexpresionismo. Si otro cubano, Wifredo Lam, pintó la jungla –el monte místico afrocubano– no sólo en el cuadro homónimo, Azaceta ha sido el pintor de la Jungla de Asfalto, de la terribilità de las babeles contemporáneas. Sus paisajes urbanos están vivos como los de Lam, pero de modo diferente. Gritan los problemas sociales que sacuden a nuestras urbes: violencia, drogas, racismo, represión, desigualdad, miseria… y guerra en algunos casos tan horribles como demasiado frecuentes.

El artista ha acuñado un lenguaje personal basado en el pop, el cómic, el grafiti, la gran tradición histórica del expresionismo, y el grotesco social epitomizado por Goya. Él ha definido su obra como un “pop apocalíptico”. Pero aquella va más allá, al ser resultado de una vasta exploración pictórica que transita por derroteros inesperados sin abandonar el pathos, el estilo y, en fin, la poética que caracterizan al artista. Este ha comentado que cuando se percibe repitiendo fórmulas que ha establecido y dominado, cambia de inmediato hacia una nueva aventura artística. Una de las más interesantes es su aproximación al arte abstracto, signada por la tensión de ser un pintor eminentemente figurativo. El resultado es un híbrido sorprendente y muy actual. Es asombrosa la inventiva que ha garantizado una frescura permanente a su trabajo.

En la pequeña selección que aquí presentamos se aprecia el uso libérrimo del paisaje en algunas de las vertientes esbozadas. Incluye además el autorretrato-paisaje, imprescindible, ya que buena parte de su obra son autorretratos anti-narcisistas, autorretratos como participación en y testimonio de las desgracias del mundo. Podemos sumergirnos además en un par de skylines con reflejos fantasmáticos que dialogan con los dibujos de Glexis Novoa (1964) aquí expuestos.

En efecto, las obras de este artista son también horizontes urbanos inquietantes. Pero, al contrario de Azaceta, quien aquí se mantiene fiel al lienzo, Novoa crea estos dibujos sobre soportes inesperados. Podemos seguir una de sus grafías a todo lo largo de la pared del piso superior, como en un viaje por paisajes ignotos. Hecha a lápiz, es tan sutil que a primera vista podría parecer que la pared está desnuda. Otras tres han sido realizadas sobre pedazos de mármol, en una mezcla de dibujo delicadísimo, escultura y soporte trouvé.

Todas son representaciones minuciosas de arquitecturas que unen modernidad y totalitarismo. Nos recuerdan así que el voluntarismo por forzar una revolución económica, social y cultural propios del fascismo y el comunismo –como estos sistemas en sí mismos–, son hijos monstruosos de los ideales utópicos de la modernidad. Las urbes de Novoa son utopías que han devenido su opuesto. Si Azaceta lleva al grotesco expresionista la dura realidad de nuestras ciudades, Novoa nos turba con la irrealidad inhumana de ciudades perfectas y vacías. Sus panoramas urbanos y su arquitectura de imaginación exaltada son tan impecables como preocupantes: el fruto de una modernidad perversa. La exquisitez del dibujo casi invisible contrasta con la grandiosidad, a menudo impostada, de los edificios y monumentos que ha representado, en un contraste de pesadilla.

Estos contenidos se corresponden con otro derrotero del trabajo de Novoa: sus pinturas e instalaciones pictóricas basadas en un alfabeto cirílico de invención y en recursos formales de la vieja propaganda revolucionaria soviética, o en ella inspiradas. Con estas piezas articula textos incompatibles con lo que se esperaría de esta representación. El artista ha dedicado así su obra toda a deconstruir retóricas vacías, opresivas, y sueños tan falsos como engañosos.»

Paisaje al Límite 2 ocupará las salas de NG Art Gallery desde el 15 de febrero y hasta el 15 de abril de 2022.

febrero 11, 2022
NG Art Gallery