Archive for the ‘Noticias’ Category

Benjamín Ossa entre los 100 artistas de la próxima generación de PRIME

Benjamín Ossa ha sido incluido entre los 100 artistas emergentes a tener en cuenta de esta próxima generación, recomendados por la prestigiosa editorial Phaidon en su reciente publicación: «PRIME. Art´s next Generation».

De acuerdo con los editores de Phaidon, el libro reúne a «las estrellas emergentes más emocionantes del arte contemporáneo» (The most exiting rising stars in contemporary art), nacidos a partir de 1980; una contundente investigación, que auna a las producciones artísticas más innovadoras e interesantes de todo el mundo, a través de las diversas manifestaciones.

Parafrasenado la nota de Phaidon sobre el libro, estas son las superestrellas del arte del mañana, seleccionadas por los futuros líderes del mundo del arte: los curadores, escritores y académicos que miden el pulso de la cultura y arte contemporáneos.

Las nominaciones para esta lista provinieron de más de 100 instituciones artísticas en todo el globo, entre las que se incluyen: Baltimore Museum of Art; Bellas Artes Projects (Manila); ESPAC (Mexico City); The Factory Contemporary Arts Centre (Ho Chi Minh City); KW Institute for Contemporary Art (Berlin); MoMA (New York); Museo de Arte Moderno (Medellín); Museums Victoria (Melbourne); RAW Material Company (Dakar); Sharjah Art Foundation; Studio Museum in Harlem (New York); Tai Kwun Contemporary (Hong Kong); Tate Modern (London); Whitechapel Gallery (London); Whitney Museum of American Art (New York); y el X Museum (Beijing).

Desde la familia NG extendemos una gran felicitación a Benjamín Ossa por este reconocimiento, el cual estamos seguro que es solo un paso más en la gran carrera que le depara el futuro.

mayo 25, 2022

Sandra Monterroso conquista Nueva York con su «Altar para pájaros»

Altar para pájaros es el título de la primera muestra personal de la artista guatemalteca Sandra Monterroso en Nueva York. Con la coherencia estética a la que ya nos tiene acostumbrados en su obra, Monterroso erige un altar a la cultura precolombina en el Instituto de Visión (con sede en 88 Eldridge Street, 5th floor. New York, NY, 10002).

La exhibición ahonda en su exploración sobre los conflictos postcoloniales y la riqueza monumental de culturas como la Maya, de la que la propia Sandra es heredera. Las polémicas sobre los procesos de apropiación cultural y los entramados históricos que entretejen relaciones entre los pueblos originarios y sus conquistadores son algunas de las aristas exploradas por Monterroso en sus obras.

El éxito de la muestra ya se ha visto reflejado en artículos como el de la historiadora del arte Silvia Benedetti (Weaving an Altar to Guatemala’s Pre-Hispanic Glory), en Hyperallergic, el de Beatriz López, curadora de la muestra, en Artishock.

mayo 24, 2022

Rafael Villares en la 59na Bienal de Venecia

Fundada en 1895, la Exposición Internacional de Arte de Venecia, conocida hoy como La Bienal de Arte de Venecia, es considerada en su género, la más importante de Italia y una de las más relevantes del mundo. Celebrando su 59na edición en este 2022, el Pabellón Nacional de Cuba presenta, entre otros, a Rafael Villares.

Tierra Ignota es la propuesta que ha traido Villares a Venecia. Quien sin lugar a dudas es considerado uno de los nombre más prometedores de su generación, ha entrado en la ciudad de los canales por la puerta grande, con una muestra que analiza, desde varias aristas nuestra relación con nuestro entorno.

Tierra Ignota reune trabajos de 3 series capitales, dentro de la obra de Villares. Cada una demuestra, desde posturas complementarias, las preocupaciones que ha abordado el artista durante su carrera, en relación delicado momento que nos ha tocado vivir como especie. La serie Paradoja topográfica, por ejemplo, despliega un razonamiento sobre los ciclos de muerte y resurrección en los que se encuentra el mundo actualmente, el calentamiento global, y el tiempo como un bucle inacabable. También exhibe piezas de su serie Fragmentos de Mundo, en donde una montaña de mapas y escombros no solo nos muestran un mundo fragmentado y caótico, sino cubierto por límites y fronteras efímeros, que solo existen en la mente del hombre. Finalmente, corona la sala un dibujo de la serie Inmersion, en donde se las similitudes entre un paisaje montañoso y el lecho marino nos hacen cuestionar nuestra relación con nuestro entorno.

Visto como un paso más en la secuencia de eventos de la carrera artística de Rafael Villares, esta participación en la Bienal de Venecia no solo suponía el próximo peldaño lógico en el horizonte de este prometedor artista, sino además una nueva puerta de posibilidades que se abre ante sus ojos.

mayo 24, 2022

Cisco Merel | Convergent Evolution

A partir del jueves 21 de abril de 2022, NG Art Gallery estará exhibiendo en sus salas la muestra personal de Cisco Merel Convergent Evolution. Cisco Merel dio sus primeros pasos en el mundo del arte a través del graffiti y el street art, llegando a formar parte de prestigiosas publicaciones, como es el caso de «100 Sculptors of Tomorrow», publicado por la prestigiosa editorial Thames & Hudson. Actualmente Cisco Merel es considerado por muchos como uno de los nombre más relevantes del arte panameño contemporáneo.

Sobre esta exposición, el artista y curador Jonathan Harker nos cuenta lo siguiente:

En Convergent Evolution, Cisco presenta una serie de ensamblajes geométricos abstractos que oscilan entre la pintura y la escultura, conformando entre ellas una especie de tipología topológica modular, en la cual tres elementos primarios –el barro, el acero inoxidable y el color– convergen en quince piezas nuevas de diversos tamaños y configuraciones. Para Cisco, cada uno de esos tres elementos posee sus propias cualidades plásticas y cargas simbólicas, y a través de su repetida combinación y recombinación, él busca evocar algunas de las experiencias de vida que tuvo creciendo entre la capital y el interior, y
también comentar sobre ciertas idiosincrasias culturales y políticas de la sociedad panameña.

El término evolución convergente proviene de la biología evolutiva, y denota el proceso por medio del cual organismos distantemente relacionados desarrollan rasgos similares de manera independiente para adaptarse a entornos comunes. Un ejemplo clásico es la recurrente evolución del vuelo: insectos voladores, pájaros, murciélagos y pterosaurios (Q.E.P.D.), cada uno por su lado y a su manera, pero todos por necesidad, desarrollaron la útil capacidad de volar. Cisco y yo intuitivamente decidimos apropiarnos del concepto de evolución convergente para titular esta muestra, de paso adaptándolo a conveniencia
para dilucidar sobre los procesos graduales de ensayo, error, modificación y acierto que él atravesó al experimentar con el uso combinado del color, el acero y el barro antes y durante la concepción y producción de las piezas aquí exhibidas.

Cisco Merel trabajando en su estudio en Ciudad de Panamá

Cisco lleva más de dos décadas explorando el universo del color, y su uso –especialmente el de ciertas tonalidades saturadas comúnmente asociadas con la arquitectura afro-antillana, la rotulación tradicional, los diablos rojos y muchos tipos de anuncios publicitarios– es emblemáticamente recurrente en su obra. En esta exhibición el elemento cromático utiliza cortes de PVC como soporte, cada uno meticulosamente lijado para maximizar su capacidad de absorción, lo cual le confiere a los colores utilizados una intensa e hipnótica profundidad mate que atrae y atrapa la mirada como juguete de paquete.

Bruñido hasta que refleje luz como si fuese espejo, el acero inoxidable pulido comenzó a figurar en el trabajo de Cisco más recientemente, en obras como Reflex (2017), y Espejismo La Habana (2019). Para Cisco, el acero representa la idea del espejo y también el espejismo, un elemento que nos refleja una imagen (distorsionada) de quiénes somos y nos confronta con las resbaladizas quimeras de nuestros sueños y aspiraciones colectivas, para bien y para mal. Como material de construcción el cristal representa sobretodo la arquitectura moderna y post-moderna característica de la turba de torres
corporativas que rasgan los cielos de la ciudad de Panamá; y aunque la idea del vidrio es exánime y fría, como materia atrapa y potencia el calor, lo cual lo hace poco apto para el suda que suda incesante de nuestro clima neotropical.

Diametralmente opuesta a la fría tersura sintética y reflectante del acero pulido está el rugoso craquelado orgánico del barro, cosmogónico y milenario material de construcción (en la tradición judeocristiana “Dios creó al hombre del polvo de la tierra; de barro lo formó.”), estrechamente asociado a la infancia y adolescencia de Cisco, quien pasaba largas temporadas de visita veraniega en la antiquísima casa de
piedra, tierra y quincha de su abuela Mercedes, ubicada en Sabanagrande, provincia de Los Santos. Cisco comenzó a ensayar con el barro en su obra hace a penas cinco años, cuando pasó una temporada prolongada en Pedasí, periodo durante el cual produjo varias esculturas prototípicas de tierra seca y participó en una junta de embarre que lo marcó profundamente. Ya de vuelta en la ciudad, continuó
experimentando esporádicamente con distintos tipos de tierra, fango, légamo y cieno, calibrando su espesor, viscosidad, textura y contextura para diferentes usos en diversas obras. En marzo del 2018, produjo La pisada, un happening (acción participativa) en la Casa del Soldado (CCE), donde invitó al público a jugar y bailar en el barro para ejecutar “la pisada”, uno de los gestos puntuales más icónicos de una junta de embarre. En julio del mismo año, Cisco participó en Trueque, una muestra colectiva organizada en el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá y curada por Gladys Turner, en la cual presentó Primitivo 18, (un cuadro pintado con barro y pintura acrílica sobre lienzo) y Reflex/18 (una escultura hecha de madera y espejo acrílico). Luego exhibió Terrenos (una serie de cuadros pintados con tierra y pintura acrílica sobre lienzo) en una exhibición colectiva que tuvo lugar aquí en NG Art Gallery en marzo del 201 Convergent Evolution es la primera muestra individual de Cisco que incorpora el uso del barro de manera sistemática y formal.

Color (plástico), espejo (acero pulido) y barro (tierra): materiales constructivos primarios desemejantes que convergen para esta exhibición en una serie de composiciones elementales, depuradas y potentes. ¿Pero cómo decidió Cisco ordenar esos tres materiales para crear cada pieza individual? Como de costumbre, su método de configuración se basó en la contemplación metódica del paisaje urbano panameño; en términos más específicos, los patrones o esquemas organizativos los derivó de tres fuentes
principales: estructuras observadas en la arquitectura vernácula e improvisada de barrios populares como Río Abajo, San Sebastián y Calidonia; elementos de construcción observados en zonas industriales como las que hay cerca de Bethania y Tocumen; y patrones de distribución urbana observables en imágenes cenitales satelitales de comunidades amuralladas de clase alta, como Costa del Este, Santa María o Versailles.

Convergent Evolution, una serie tipológica de ensamblajes topológicos, donde convergen color, espejo y barro, tres elementos conceptuales cargados de capas y constelaciones de significados; un recorrido por el mundo, la mirada y la mente de Cisco, donde confluyen plástico, acero y tierra, tres materiales minuciosamente tratados, abstraídos, conjugados y exhibidos con la intención de captar, sintetizar y transmitir las atmósferas exuberantes, volátiles y complejas del accidentado territorio palimpsesto psico-geográfico que llamamos Panamá.

Convergent Evolution ocupará las salas de NG Art Gallery durante el resto de abril y hasta mediados del mes de junio de 2022.

abril 18, 2022

Enrique Martínez Celaya | Museo de las Artes Huntington, Museo Fisher USC & The Rose Garden en UTA Artist Space

El artista cubano-americano Enrique Martínez Celaya (1964) se ha mantenido extremadamente ocupado estas últimas semanas. El pasado 23 de enero de 2022 lanzó 3 piezas en la Biblioteca, Centro de Arte y Jardín Botánico The Huntington; el 2 de febrero inauguró una muestra personal en el museo USC Fisher; y el 16 de febrero inauguró otra exhibición titulada The Rose Garden en UTA Artist Space.

Colaboración con The Huntington

Dos esculturas de bronce y una pintura de Celaya fueron instaladas en The Huntington Library el pasado mes de enero. Las 3 piezas son un préstamo a The Huntington y marcan los inicios de lo que será una sociedad de artes visuales por varios años entre el artista y la institución. Las esculturas tituladas The Gambler (El Apostador, una representación a tamaño natural de un niño con muletas que lleva una casa sobre sus hombros) y The Landmark (una cabeza humana de seis pies de alto colocada de lado) se unieron a otros bronces en un jardín adyacente a las Galerías de Arte Americano Virginia Steele. Por otro lado, la pintura The Crown, una imagen de un niño en un bosque con impronta de cuento de hadas, se instaló en la Galería de Arte Huntington.

«Me emociona mucho poder darle la bienvenida a Enrique y sus obras a The Huntington» dijo Christina Nielsen, directora de las colecciones de arte Hannah & Russel Kully. «Trabajando simultáneamente como artista y catedrático, Martínez Celaya es el candidato ideal para colaborar con nosotros —un lugar que unifica galerías con importantes obras de arte, investigaciones enfocadas en las humanidades, y cuyas colecciones hablan de temas como la identidad, la historia, la memoria y la naturaleza.»

Catherine Hess, curadora en jefe de Arte Europeo en The Huntington, quien coordinó el arreglo con Martínez Celaya, dijo: «El contenido de la obra figurativa de Enrique es conmovedor y poético. Creo que estas 3 extraordinarias obras presentan imaginarios y mensajes que serán accesibles de nuevas formas para nuestra audiencia. No puedo esperar para ver qué resultados producirán durante su tiempo acá.»

Muestra personal SEA SKY LAND en el Museo de Arte USC Fisher

SEA SKY LAND (Mar Cielo Tierra) unifica aproximadamente 30 pinturas de gran formato y esculturas creadas por Celaya entre el 2005 y el 2020. Aunque Martínez Celaya ha tenido numerosas exposiciones en museos y galerías por todo el mundo durante las últimas 2 décadas, esta es la primera vez que que el arco de su práctica será exhibido en un museo de California del Sur desde el año 2001.

Simultáneamente a SEA SKY LAND, una exposición de la obra de Martínez Celaya relacionada con el poeta californiano de principios del siglo XX, Robinson Jeffers, estará a la vista en la Biblioteca Conmemorativa Edward L. Doheny Jr. de la USC, junto con material histórico del poeta. La exposición se basa en la reciente residencia de Martínez Celaya en Robinson Jeffers Tor House en Carmel, California, donde fue invitado a ser el primer becario de la fundación. Una versión ampliada de la exposición de la Biblioteca Doheny viajará al Museo de Arte de Monterrey, en mayo de 2022.

Exposición Personal The Rose Garden en UTA Artist Space

UTA Artist Space and Unit London ha anunciado un nuevo espacio inmersivo por Enrique Martínez Celaya. El Rose Garden ha unido ambiciosamente nuevas pinturas, esculturas, instalaciones, fotografías, vestidos, y escritura, invitando espectadores a considerar el yo -tanto como promesa y como amenaza- a través de la adivinación mística de la memoria.

En este cuerpo de trabajo nuevo y multifacético, el artista utiliza Cuatro Cuartetos, de TS Eliot, como un punto de entrada para explorar nuestra memoria colectiva, algo más amplio, más permanente y más irreparable que la memoria individual, y que nos pertenece a todos. En esta exposición, como en proyectos anteriores, Martínez Celaya vuelve a preocuparse por el hambre existencial, la crisis, el caos, el orden, el tiempo, la redención, la realidad y el amor, aquí unidos por el hilo de las palabras de Eliot.

Las tres galerías de UTA Artist Space fueron intervenidas por los entornos inmersivos de Martínez Celaya, que incluyen una sala de lágrimas dominada por una luna de sangre, fotografías de jardines y cuerpos, una figura quemada en un asiento de rosas, una prenda usada por campeones del amor y muchos otros trozos luminosos extraídos de la vida.

«Durante mucho tiempo he admirado a Enrique Martínez Celaya como individuo y artista con gran pasión. Él entrelaza de manera convincente grandes ideas filosóficas en su arte y nos hace ver el mundo de nuevas maneras. UTA Artist Space y la ciudad de Los Ángeles tienen la suerte de tenerlo «, dijo Arthur Lewis, director creativo de UTA Fine Arts y UTA Artist Space.

Vistas colectivamente, estas obras y las exposiciones individuales simultáneas del artista en los museos de Los Ángeles (en The Huntington Library, Art Museum y Botanical Gardens; Museo de Arte USC Fisher; y la Biblioteca Conmemorativa Edward L. Doheny Jr.) nos recuerdan el poder que tiene el arte para cambiar nuestra percepción del mundo y de nuestro ser interior.

febrero 17, 2022

Luis Cruz Azaceta & Glexis Novoa | Paisaje al Límite 2

Regresa a NG Art Gallery Gerardo Mosquera, con otra curaduría que aborda los derroteros del paisaje contemporáneo, en este caso materializados en la obra de Luis Cruz Azaceta y Glexis Nova.

Gerardo Mosquera es un curador, crítico, historiador de arte, y escritor independiente, con sede en La Habana, Madrid y el mundo. Asesor de la Rijksakademie van Beeldende Kunsten en Ámsterdam y de otros centros internacionales de arte. Fue cofundador de la Bienal de La Habana (1984-1989), Curador del New Museum of Contemporary Art, Nueva York (1995-2007), y Director Artístico de PhotoEspaña, Madrid (2011-2013).

Ha curado numerosas bienales y exposiciones internacionales. Autor y editor de numerosos textos y libros sobre arte contemporáneo y teoría del arte, publicados en distintos países e idiomas. Su último libro, Arte desde América Latina (y otros pulsos globales), apareció recientemente en Ediciones Cátedra, Madrid. Es miembro del consejo asesor de varias revistas internacionales. Ha impartido conferencias en los cinco continentes. Recibió la Beca Guggenheim, Nueva York, en 1990. En sus propias, respecto a Paisaje al Límite 2:

«Esta muestra continúa la presentación en NG Art Gallery de artistas que transforman el viejo género del paisaje, al usarlo más como un medio que como un fin en sí mismo. En el 2019 fue una bipersonal de los guatemaltecos Alfredo Ceibal y Roberto Escobar, y ahora otra de dos cubanos, también de generaciones alejadas en el tiempo. Se muestran así ejemplos importantes de una tendencia del arte contemporáneo que libera y enriquece la representación del paisaje, llevándola al tope de sus posibilidades funcionales.

Luis Cruz Azaceta (1942) es un clásico: uno de los grandes artistas mundiales del neoexpresionismo. Si otro cubano, Wifredo Lam, pintó la jungla –el monte místico afrocubano– no sólo en el cuadro homónimo, Azaceta ha sido el pintor de la Jungla de Asfalto, de la terribilità de las babeles contemporáneas. Sus paisajes urbanos están vivos como los de Lam, pero de modo diferente. Gritan los problemas sociales que sacuden a nuestras urbes: violencia, drogas, racismo, represión, desigualdad, miseria… y guerra en algunos casos tan horribles como demasiado frecuentes.

El artista ha acuñado un lenguaje personal basado en el pop, el cómic, el grafiti, la gran tradición histórica del expresionismo, y el grotesco social epitomizado por Goya. Él ha definido su obra como un “pop apocalíptico”. Pero aquella va más allá, al ser resultado de una vasta exploración pictórica que transita por derroteros inesperados sin abandonar el pathos, el estilo y, en fin, la poética que caracterizan al artista. Este ha comentado que cuando se percibe repitiendo fórmulas que ha establecido y dominado, cambia de inmediato hacia una nueva aventura artística. Una de las más interesantes es su aproximación al arte abstracto, signada por la tensión de ser un pintor eminentemente figurativo. El resultado es un híbrido sorprendente y muy actual. Es asombrosa la inventiva que ha garantizado una frescura permanente a su trabajo.

En la pequeña selección que aquí presentamos se aprecia el uso libérrimo del paisaje en algunas de las vertientes esbozadas. Incluye además el autorretrato-paisaje, imprescindible, ya que buena parte de su obra son autorretratos anti-narcisistas, autorretratos como participación en y testimonio de las desgracias del mundo. Podemos sumergirnos además en un par de skylines con reflejos fantasmáticos que dialogan con los dibujos de Glexis Novoa (1964) aquí expuestos.

En efecto, las obras de este artista son también horizontes urbanos inquietantes. Pero, al contrario de Azaceta, quien aquí se mantiene fiel al lienzo, Novoa crea estos dibujos sobre soportes inesperados. Podemos seguir una de sus grafías a todo lo largo de la pared del piso superior, como en un viaje por paisajes ignotos. Hecha a lápiz, es tan sutil que a primera vista podría parecer que la pared está desnuda. Otras tres han sido realizadas sobre pedazos de mármol, en una mezcla de dibujo delicadísimo, escultura y soporte trouvé.

Todas son representaciones minuciosas de arquitecturas que unen modernidad y totalitarismo. Nos recuerdan así que el voluntarismo por forzar una revolución económica, social y cultural propios del fascismo y el comunismo –como estos sistemas en sí mismos–, son hijos monstruosos de los ideales utópicos de la modernidad. Las urbes de Novoa son utopías que han devenido su opuesto. Si Azaceta lleva al grotesco expresionista la dura realidad de nuestras ciudades, Novoa nos turba con la irrealidad inhumana de ciudades perfectas y vacías. Sus panoramas urbanos y su arquitectura de imaginación exaltada son tan impecables como preocupantes: el fruto de una modernidad perversa. La exquisitez del dibujo casi invisible contrasta con la grandiosidad, a menudo impostada, de los edificios y monumentos que ha representado, en un contraste de pesadilla.

Estos contenidos se corresponden con otro derrotero del trabajo de Novoa: sus pinturas e instalaciones pictóricas basadas en un alfabeto cirílico de invención y en recursos formales de la vieja propaganda revolucionaria soviética, o en ella inspiradas. Con estas piezas articula textos incompatibles con lo que se esperaría de esta representación. El artista ha dedicado así su obra toda a deconstruir retóricas vacías, opresivas, y sueños tan falsos como engañosos.»

Paisaje al Límite 2 ocupará las salas de NG Art Gallery desde el 15 de febrero y hasta el 15 de abril de 2022.

febrero 11, 2022

Enrique Martínez Celaya | Mi nombre es Nadie

Hoy, jueves 9 de diciembre de 2021, NG Art Gallery tiene el honor de exhibir en sus salas la muestra personal del artista Enrique Martínez Celaya: «Mi nombre es nadie». Enrique Martínez Celaya nació en Cuba en 1964, pero ya desde muy joven emigró junto a su familia a Madrid, en España; luego a Puerto Rico; y finalmente a EEUU, adonde viajó
para estudiar en la universidad de Cornell, en Ithaca, NY. Según las propias palabras del artista, a través de esta muestra, explorará por primera vez en su carrera el regreso a su tierra natal, utilizando como metáfora el homérico viaje de regreso que emprende Odiseo a su Ítaca.

En esta serie de trabajos, que consiste en 8 pinturas y una escultura, uso La Odisea de Homero como mapa metafórico de la experiencia del exilio. Constantes como lo anhelado, la perseverancia, la imaginación y, en última instancia, el regreso a casa, convierten a La Odisea en un lente pertinente para examinar la experiencia del exilio, particularmente el
exilio cubano. No resulta difícil encontrar los paralelismos entre la migración cubana y la nostalgia del relato homérico, que comienza con una ciudad devastada por la guerra y el viaje de regreso de un héroe que atraviesa el mar en busca de su isla.

“Mi nombre es Nadie” es mi primer proyecto dedicado enteramente a la experiencia de
Cuba, y llega en un momento crítico dentro de la Historia del país. Al igual que muchos
emigrantes cubanos, dejé la Isla pensando que algún día volvería. En lugar de eso, Cuba
se volvió un país de recuerdos, más cerca de un sueño que de un lugar real –un sueño
hecho de historias, unas verdaderas, otras falsas, tejidas entre cocinas y fiestas en el patio.
Para la mayoría de los exiliados, cubanos o no, la patria perdida se vuelve etérea e
inalcanzable. Aun así, sin que importen estas propiedades fantásticas, permanece en
nuestros corazones la idea de regresar a casa, de pertenecer nuevamente a algún lugar.
Hasta que llegue el día de ese regreso eternamente pospuesto, los exiliados somos
extranjeros, tanto para otras personas, como para nosotros mismos. “Mi nombre es
nadie”, le responde Odiseo al cíclope, y en esa respuesta queda todo el desconocimiento y
la extrañeza con que se ve a sí mismo. El épico relato griego habla de la búsqueda eterna
por un sentido de pertenencia, que encarna cada exiliado, en su lucha frágil y mortal por
regresar a casa.


Para el imaginario de las pinturas, elegí 8 momentos de la Odisea que consideré útiles
para entender los retos de un viaje de regreso a casa. También quise explorar la forma en
que esos fragmentos iluminan los procesos de recuerdo y reinvención del hogar perdido.
Por lo tanto, en la mayoría de los casos –aunque no en todos– adapté las referencias
antiguas al imaginario contemporáneo, mayormente caribeño.


Martínez Celaya fue premiado con el Brookhaven National Laboratory Fellowship (1986–1988), y fue Miembro Interdisciplinario de Humanidades y Miembro Regents de la Universidad de California (1992-1994). Recibió el Premio Joven Talento del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (1998), la Beca Hirsch (2002), el Premio Rosa Blanca de
la Comunidad Cubana (2002) y la Beca de la Fundación Comunitaria de California, el Premio de la Fundación Getty (2004). Fue honrado con la Residencia Inaugural de Artista Colaborativo de Artes Contemporáneas de Colorado en el CU Art Museum, patrocinada por Kent y Vicki Logan (2004), y recibió el Premio Nacional de Artista del Anderson
Ranch Arts Center (2007).


Enrique Martínez Celaya cuenta estudios de máster en Física y Bellas Artes. Ha publicado tanto artículos científicos, como libros de arte y filosofía. Actualmente es Colaborador Montgomery en Dartmouth College, y profesor rector de Humanidades y Artes en la Universidad de Southern California (USC). En 2020, fue galardonado con el Doctor Honoris Causa del Colegio Otis de Arte y Diseño. Fue invitado a dar el discurso de graduación de la universidad el mismo año, y en 2021 se unió a la Junta de Gobernadores
de Otis College.

diciembre 6, 2021

NG Art Gallery | SCOPE Miami Beach & Ch.ACO 2021

Con un mundo cada vez más lejano de la inusual realidad de la pandemia y sus circunstancias, las galerías ferias de arte retoman sus acostumbrados rituales anuales. En el caso de NG Art Gallery, la cita no se hace esperar en SCOPE Miami Beach, una de las ferias satélites de Art Basel Miami; y Ch.ACO, en Santiago de Chile.

En el caso de la feria chilena, en la que NG Art Gallery ha participado ininterrumpidamente desde el 2015, han optado por una variante online, en colaboración con la plataforma de aseroría de arte Red Collectors. NG Art Gallery participa en la feria con una versátil selección que incluye obras de Emmanuel Moses, Mr. Brainwash y Jorge Otero.

SCOPE Miami Beach, por su parte, retoma Miami celebrando 20 años de presencia en sus playas, con más de 140 galerías internacionales, las cuales convivirán con conversatorios de de expertos y eventos nocturnos. La feria exhibirá además con un grupo de instalaciones de primer nivel, que incluyen nombres como el artista ambiental Saype; el peruano Joan Jiménez, también conocido como Entes; y una instalación de NFTs producto de una colaboración entre la galería Superchief y el grupo WHIP.

NG Art Gallery estará participando en SCOPE Miami Beach con una selección de artistas que incluyen a Jorge Otero, Emmanuel Moses, Cisco Merel, William Acosta y José Ángel Vincench.

SCOPE Miami Beach abre sus puertas el 30 de noviembre para invitados Platinum y VIP, y estará abierto, ya para público general entre el 1 y el 5 de noviembre de 2021.

noviembre 26, 2021

Emmanuel Moses | Punto de fuga

A partir del próximo jueves 21 de octubre de 2021, las salas de NG Art Gallery estarán exhibiendo, desde las 5.00pm y hasta las 9.00pm, Punto de Fuga, muestra personal del artista panameño Emmanuel Moses.

La idea de que existe un mundo más allá del nuestro es algo que ha acompañado al hombre desde el inicio de los tiempos. Las obras de Emmanuel provienen precisamente de ese impulso esencial de la mente humana. En su caso, el punto de partida es la luz, que organizada en determinados patrones y ciertos ángulos, es percibida por el ojo como distancias que a su vez conducen a umbrales. Vacíos de tiempo y espacio que absorben sus contornos con una fuerza increíble, al punto incluso de torcer los bordes mismos de la realidad que los contiene. Son piezas que invitan al escape, a la libertad de los pesos cotidianos, realidades en donde el artista ha dispuesto nuestros mayores miedos y anhelos, esperando algún día ser descubiertos.

Punto de Fuga, entre otras cosas, nos demuestra que los inicios de Moses en el lienzo tradicional encontraron un primer giro al torcer la acostumbrada simetría del bastidor, en función de los portales que representa. Actualmente ese camino lo ha llevado a piezas con una factura industrial impoluta, donde el formato está a completa disposición de su contenido.

octubre 15, 2021

Yohy Suárez y Rafael Villares | Arte Laguna Prize

Arte Laguna Prize es un concurso internacional, abierto desde el 2006 para múltiples disciplinas de las artes visuales, performáticas, de multimedia, landscape y artes digitales; en aras de un mejor mapeo y fortalecimiento del arte contemporáneo internacional. El premio fue creado buscando brindarle oportunidades de reconocimiento a talentos emergentes del arte joven, no solo ante el público internacional, sino ante el jurado, compuesto por importantes nombre de la escena artística contemporánea.

En esta reciente 15ta edición del evento, entre más de 12,000 participantes, de las 120 obras finalistas sobresale el nombre de Rafael Villares, seleccionado como uno de los finalistas de la categoría Urban Art, por su obra Árbol de Luz.  

La pieza se posiciona como un símbolo de esfuerzo participativo, ya que cada una de sus lámparas ha sido donada por personas de distintos países alrededor del mundo, en respuesta a una convocatoria lanzada por Villares. Hecha con luces de 15 países diferentes, Árbol de Luz también es una recreación del paisaje urbano de las ciudades de donde estas proceden.

Por otro lado, Yohy Suárez se encuentra entre los ganadores del Premio Especial Arte Laguna 15. Artist in Residence, en la sede Espronceda. El Instituto de Arte y Cultura Espronceda, en Barcelona, es un innovador centro de arte fundado en 2013, en Barcelona. El centro provee una plataforma y ambiente multidisciplinarios para artistas, curadores y todo aquel que crea en la importancia del arte, la cultura y la educación de la creatividad, incitando además la conexión con la comunidad local y la creación de una red global entre artistas, compañías, e instituciones culturales que buscan el cambio social a través del arte. Su residencia incluye una estadía de 3 a 6 semanas, que finalizará en 1 muestra personal.

Graduado con honores de la Academia de San Alejandro en el 2010, Yohy Suárez ha creado su poética como cronista de una historia imaginada, con obras que devienen escenas de un pasado entre brumas y espejos. Con provocadoras historias que nos hacen desconfiar de las nuestras, las piezas de Yohy Suárez mezclan la estética fotográfica con un dibujo expresivo, con grandes atributos tanto estéticos como antropológicos.

octubre 4, 2021
NG Art Gallery