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Rafael Villares en la 59na Bienal de Venecia

Fundada en 1895, la Exposición Internacional de Arte de Venecia, conocida hoy como La Bienal de Arte de Venecia, es considerada en su género, la más importante de Italia y una de las más relevantes del mundo. Celebrando su 59na edición en este 2022, el Pabellón Nacional de Cuba presenta, entre otros, a Rafael Villares.

Tierra Ignota es la propuesta que ha traido Villares a Venecia. Quien sin lugar a dudas es considerado uno de los nombre más prometedores de su generación, ha entrado en la ciudad de los canales por la puerta grande, con una muestra que analiza, desde varias aristas nuestra relación con nuestro entorno.

Tierra Ignota reune trabajos de 3 series capitales, dentro de la obra de Villares. Cada una demuestra, desde posturas complementarias, las preocupaciones que ha abordado el artista durante su carrera, en relación delicado momento que nos ha tocado vivir como especie. La serie Paradoja topográfica, por ejemplo, despliega un razonamiento sobre los ciclos de muerte y resurrección en los que se encuentra el mundo actualmente, el calentamiento global, y el tiempo como un bucle inacabable. También exhibe piezas de su serie Fragmentos de Mundo, en donde una montaña de mapas y escombros no solo nos muestran un mundo fragmentado y caótico, sino cubierto por límites y fronteras efímeros, que solo existen en la mente del hombre. Finalmente, corona la sala un dibujo de la serie Inmersion, en donde se las similitudes entre un paisaje montañoso y el lecho marino nos hacen cuestionar nuestra relación con nuestro entorno.

Visto como un paso más en la secuencia de eventos de la carrera artística de Rafael Villares, esta participación en la Bienal de Venecia no solo suponía el próximo peldaño lógico en el horizonte de este prometedor artista, sino además una nueva puerta de posibilidades que se abre ante sus ojos.

mayo 24, 2022

Cisco Merel | Convergent Evolution

A partir del jueves 21 de abril de 2022, NG Art Gallery estará exhibiendo en sus salas la muestra personal de Cisco Merel Convergent Evolution. Cisco Merel dio sus primeros pasos en el mundo del arte a través del graffiti y el street art, llegando a formar parte de prestigiosas publicaciones, como es el caso de «100 Sculptors of Tomorrow», publicado por la prestigiosa editorial Thames & Hudson. Actualmente Cisco Merel es considerado por muchos como uno de los nombre más relevantes del arte panameño contemporáneo.

Sobre esta exposición, el artista y curador Jonathan Harker nos cuenta lo siguiente:

En Convergent Evolution, Cisco presenta una serie de ensamblajes geométricos abstractos que oscilan entre la pintura y la escultura, conformando entre ellas una especie de tipología topológica modular, en la cual tres elementos primarios –el barro, el acero inoxidable y el color– convergen en quince piezas nuevas de diversos tamaños y configuraciones. Para Cisco, cada uno de esos tres elementos posee sus propias cualidades plásticas y cargas simbólicas, y a través de su repetida combinación y recombinación, él busca evocar algunas de las experiencias de vida que tuvo creciendo entre la capital y el interior, y
también comentar sobre ciertas idiosincrasias culturales y políticas de la sociedad panameña.

El término evolución convergente proviene de la biología evolutiva, y denota el proceso por medio del cual organismos distantemente relacionados desarrollan rasgos similares de manera independiente para adaptarse a entornos comunes. Un ejemplo clásico es la recurrente evolución del vuelo: insectos voladores, pájaros, murciélagos y pterosaurios (Q.E.P.D.), cada uno por su lado y a su manera, pero todos por necesidad, desarrollaron la útil capacidad de volar. Cisco y yo intuitivamente decidimos apropiarnos del concepto de evolución convergente para titular esta muestra, de paso adaptándolo a conveniencia
para dilucidar sobre los procesos graduales de ensayo, error, modificación y acierto que él atravesó al experimentar con el uso combinado del color, el acero y el barro antes y durante la concepción y producción de las piezas aquí exhibidas.

Cisco Merel trabajando en su estudio en Ciudad de Panamá

Cisco lleva más de dos décadas explorando el universo del color, y su uso –especialmente el de ciertas tonalidades saturadas comúnmente asociadas con la arquitectura afro-antillana, la rotulación tradicional, los diablos rojos y muchos tipos de anuncios publicitarios– es emblemáticamente recurrente en su obra. En esta exhibición el elemento cromático utiliza cortes de PVC como soporte, cada uno meticulosamente lijado para maximizar su capacidad de absorción, lo cual le confiere a los colores utilizados una intensa e hipnótica profundidad mate que atrae y atrapa la mirada como juguete de paquete.

Bruñido hasta que refleje luz como si fuese espejo, el acero inoxidable pulido comenzó a figurar en el trabajo de Cisco más recientemente, en obras como Reflex (2017), y Espejismo La Habana (2019). Para Cisco, el acero representa la idea del espejo y también el espejismo, un elemento que nos refleja una imagen (distorsionada) de quiénes somos y nos confronta con las resbaladizas quimeras de nuestros sueños y aspiraciones colectivas, para bien y para mal. Como material de construcción el cristal representa sobretodo la arquitectura moderna y post-moderna característica de la turba de torres
corporativas que rasgan los cielos de la ciudad de Panamá; y aunque la idea del vidrio es exánime y fría, como materia atrapa y potencia el calor, lo cual lo hace poco apto para el suda que suda incesante de nuestro clima neotropical.

Diametralmente opuesta a la fría tersura sintética y reflectante del acero pulido está el rugoso craquelado orgánico del barro, cosmogónico y milenario material de construcción (en la tradición judeocristiana “Dios creó al hombre del polvo de la tierra; de barro lo formó.”), estrechamente asociado a la infancia y adolescencia de Cisco, quien pasaba largas temporadas de visita veraniega en la antiquísima casa de
piedra, tierra y quincha de su abuela Mercedes, ubicada en Sabanagrande, provincia de Los Santos. Cisco comenzó a ensayar con el barro en su obra hace a penas cinco años, cuando pasó una temporada prolongada en Pedasí, periodo durante el cual produjo varias esculturas prototípicas de tierra seca y participó en una junta de embarre que lo marcó profundamente. Ya de vuelta en la ciudad, continuó
experimentando esporádicamente con distintos tipos de tierra, fango, légamo y cieno, calibrando su espesor, viscosidad, textura y contextura para diferentes usos en diversas obras. En marzo del 2018, produjo La pisada, un happening (acción participativa) en la Casa del Soldado (CCE), donde invitó al público a jugar y bailar en el barro para ejecutar “la pisada”, uno de los gestos puntuales más icónicos de una junta de embarre. En julio del mismo año, Cisco participó en Trueque, una muestra colectiva organizada en el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá y curada por Gladys Turner, en la cual presentó Primitivo 18, (un cuadro pintado con barro y pintura acrílica sobre lienzo) y Reflex/18 (una escultura hecha de madera y espejo acrílico). Luego exhibió Terrenos (una serie de cuadros pintados con tierra y pintura acrílica sobre lienzo) en una exhibición colectiva que tuvo lugar aquí en NG Art Gallery en marzo del 201 Convergent Evolution es la primera muestra individual de Cisco que incorpora el uso del barro de manera sistemática y formal.

Color (plástico), espejo (acero pulido) y barro (tierra): materiales constructivos primarios desemejantes que convergen para esta exhibición en una serie de composiciones elementales, depuradas y potentes. ¿Pero cómo decidió Cisco ordenar esos tres materiales para crear cada pieza individual? Como de costumbre, su método de configuración se basó en la contemplación metódica del paisaje urbano panameño; en términos más específicos, los patrones o esquemas organizativos los derivó de tres fuentes
principales: estructuras observadas en la arquitectura vernácula e improvisada de barrios populares como Río Abajo, San Sebastián y Calidonia; elementos de construcción observados en zonas industriales como las que hay cerca de Bethania y Tocumen; y patrones de distribución urbana observables en imágenes cenitales satelitales de comunidades amuralladas de clase alta, como Costa del Este, Santa María o Versailles.

Convergent Evolution, una serie tipológica de ensamblajes topológicos, donde convergen color, espejo y barro, tres elementos conceptuales cargados de capas y constelaciones de significados; un recorrido por el mundo, la mirada y la mente de Cisco, donde confluyen plástico, acero y tierra, tres materiales minuciosamente tratados, abstraídos, conjugados y exhibidos con la intención de captar, sintetizar y transmitir las atmósferas exuberantes, volátiles y complejas del accidentado territorio palimpsesto psico-geográfico que llamamos Panamá.

Convergent Evolution ocupará las salas de NG Art Gallery durante el resto de abril y hasta mediados del mes de junio de 2022.

abril 18, 2022

Enrique Martínez Celaya | Museo de las Artes Huntington, Museo Fisher USC & The Rose Garden en UTA Artist Space

El artista cubano-americano Enrique Martínez Celaya (1964) se ha mantenido extremadamente ocupado estas últimas semanas. El pasado 23 de enero de 2022 lanzó 3 piezas en la Biblioteca, Centro de Arte y Jardín Botánico The Huntington; el 2 de febrero inauguró una muestra personal en el museo USC Fisher; y el 16 de febrero inauguró otra exhibición titulada The Rose Garden en UTA Artist Space.

Colaboración con The Huntington

Dos esculturas de bronce y una pintura de Celaya fueron instaladas en The Huntington Library el pasado mes de enero. Las 3 piezas son un préstamo a The Huntington y marcan los inicios de lo que será una sociedad de artes visuales por varios años entre el artista y la institución. Las esculturas tituladas The Gambler (El Apostador, una representación a tamaño natural de un niño con muletas que lleva una casa sobre sus hombros) y The Landmark (una cabeza humana de seis pies de alto colocada de lado) se unieron a otros bronces en un jardín adyacente a las Galerías de Arte Americano Virginia Steele. Por otro lado, la pintura The Crown, una imagen de un niño en un bosque con impronta de cuento de hadas, se instaló en la Galería de Arte Huntington.

«Me emociona mucho poder darle la bienvenida a Enrique y sus obras a The Huntington» dijo Christina Nielsen, directora de las colecciones de arte Hannah & Russel Kully. «Trabajando simultáneamente como artista y catedrático, Martínez Celaya es el candidato ideal para colaborar con nosotros —un lugar que unifica galerías con importantes obras de arte, investigaciones enfocadas en las humanidades, y cuyas colecciones hablan de temas como la identidad, la historia, la memoria y la naturaleza.»

Catherine Hess, curadora en jefe de Arte Europeo en The Huntington, quien coordinó el arreglo con Martínez Celaya, dijo: «El contenido de la obra figurativa de Enrique es conmovedor y poético. Creo que estas 3 extraordinarias obras presentan imaginarios y mensajes que serán accesibles de nuevas formas para nuestra audiencia. No puedo esperar para ver qué resultados producirán durante su tiempo acá.»

Muestra personal SEA SKY LAND en el Museo de Arte USC Fisher

SEA SKY LAND (Mar Cielo Tierra) unifica aproximadamente 30 pinturas de gran formato y esculturas creadas por Celaya entre el 2005 y el 2020. Aunque Martínez Celaya ha tenido numerosas exposiciones en museos y galerías por todo el mundo durante las últimas 2 décadas, esta es la primera vez que que el arco de su práctica será exhibido en un museo de California del Sur desde el año 2001.

Simultáneamente a SEA SKY LAND, una exposición de la obra de Martínez Celaya relacionada con el poeta californiano de principios del siglo XX, Robinson Jeffers, estará a la vista en la Biblioteca Conmemorativa Edward L. Doheny Jr. de la USC, junto con material histórico del poeta. La exposición se basa en la reciente residencia de Martínez Celaya en Robinson Jeffers Tor House en Carmel, California, donde fue invitado a ser el primer becario de la fundación. Una versión ampliada de la exposición de la Biblioteca Doheny viajará al Museo de Arte de Monterrey, en mayo de 2022.

Exposición Personal The Rose Garden en UTA Artist Space

UTA Artist Space and Unit London ha anunciado un nuevo espacio inmersivo por Enrique Martínez Celaya. El Rose Garden ha unido ambiciosamente nuevas pinturas, esculturas, instalaciones, fotografías, vestidos, y escritura, invitando espectadores a considerar el yo -tanto como promesa y como amenaza- a través de la adivinación mística de la memoria.

En este cuerpo de trabajo nuevo y multifacético, el artista utiliza Cuatro Cuartetos, de TS Eliot, como un punto de entrada para explorar nuestra memoria colectiva, algo más amplio, más permanente y más irreparable que la memoria individual, y que nos pertenece a todos. En esta exposición, como en proyectos anteriores, Martínez Celaya vuelve a preocuparse por el hambre existencial, la crisis, el caos, el orden, el tiempo, la redención, la realidad y el amor, aquí unidos por el hilo de las palabras de Eliot.

Las tres galerías de UTA Artist Space fueron intervenidas por los entornos inmersivos de Martínez Celaya, que incluyen una sala de lágrimas dominada por una luna de sangre, fotografías de jardines y cuerpos, una figura quemada en un asiento de rosas, una prenda usada por campeones del amor y muchos otros trozos luminosos extraídos de la vida.

«Durante mucho tiempo he admirado a Enrique Martínez Celaya como individuo y artista con gran pasión. Él entrelaza de manera convincente grandes ideas filosóficas en su arte y nos hace ver el mundo de nuevas maneras. UTA Artist Space y la ciudad de Los Ángeles tienen la suerte de tenerlo «, dijo Arthur Lewis, director creativo de UTA Fine Arts y UTA Artist Space.

Vistas colectivamente, estas obras y las exposiciones individuales simultáneas del artista en los museos de Los Ángeles (en The Huntington Library, Art Museum y Botanical Gardens; Museo de Arte USC Fisher; y la Biblioteca Conmemorativa Edward L. Doheny Jr.) nos recuerdan el poder que tiene el arte para cambiar nuestra percepción del mundo y de nuestro ser interior.

febrero 17, 2022

Luis Cruz Azaceta & Glexis Novoa | Paisaje al Límite 2

Regresa a NG Art Gallery Gerardo Mosquera, con otra curaduría que aborda los derroteros del paisaje contemporáneo, en este caso materializados en la obra de Luis Cruz Azaceta y Glexis Nova.

Gerardo Mosquera es un curador, crítico, historiador de arte, y escritor independiente, con sede en La Habana, Madrid y el mundo. Asesor de la Rijksakademie van Beeldende Kunsten en Ámsterdam y de otros centros internacionales de arte. Fue cofundador de la Bienal de La Habana (1984-1989), Curador del New Museum of Contemporary Art, Nueva York (1995-2007), y Director Artístico de PhotoEspaña, Madrid (2011-2013).

Ha curado numerosas bienales y exposiciones internacionales. Autor y editor de numerosos textos y libros sobre arte contemporáneo y teoría del arte, publicados en distintos países e idiomas. Su último libro, Arte desde América Latina (y otros pulsos globales), apareció recientemente en Ediciones Cátedra, Madrid. Es miembro del consejo asesor de varias revistas internacionales. Ha impartido conferencias en los cinco continentes. Recibió la Beca Guggenheim, Nueva York, en 1990. En sus propias, respecto a Paisaje al Límite 2:

«Esta muestra continúa la presentación en NG Art Gallery de artistas que transforman el viejo género del paisaje, al usarlo más como un medio que como un fin en sí mismo. En el 2019 fue una bipersonal de los guatemaltecos Alfredo Ceibal y Roberto Escobar, y ahora otra de dos cubanos, también de generaciones alejadas en el tiempo. Se muestran así ejemplos importantes de una tendencia del arte contemporáneo que libera y enriquece la representación del paisaje, llevándola al tope de sus posibilidades funcionales.

Luis Cruz Azaceta (1942) es un clásico: uno de los grandes artistas mundiales del neoexpresionismo. Si otro cubano, Wifredo Lam, pintó la jungla –el monte místico afrocubano– no sólo en el cuadro homónimo, Azaceta ha sido el pintor de la Jungla de Asfalto, de la terribilità de las babeles contemporáneas. Sus paisajes urbanos están vivos como los de Lam, pero de modo diferente. Gritan los problemas sociales que sacuden a nuestras urbes: violencia, drogas, racismo, represión, desigualdad, miseria… y guerra en algunos casos tan horribles como demasiado frecuentes.

El artista ha acuñado un lenguaje personal basado en el pop, el cómic, el grafiti, la gran tradición histórica del expresionismo, y el grotesco social epitomizado por Goya. Él ha definido su obra como un “pop apocalíptico”. Pero aquella va más allá, al ser resultado de una vasta exploración pictórica que transita por derroteros inesperados sin abandonar el pathos, el estilo y, en fin, la poética que caracterizan al artista. Este ha comentado que cuando se percibe repitiendo fórmulas que ha establecido y dominado, cambia de inmediato hacia una nueva aventura artística. Una de las más interesantes es su aproximación al arte abstracto, signada por la tensión de ser un pintor eminentemente figurativo. El resultado es un híbrido sorprendente y muy actual. Es asombrosa la inventiva que ha garantizado una frescura permanente a su trabajo.

En la pequeña selección que aquí presentamos se aprecia el uso libérrimo del paisaje en algunas de las vertientes esbozadas. Incluye además el autorretrato-paisaje, imprescindible, ya que buena parte de su obra son autorretratos anti-narcisistas, autorretratos como participación en y testimonio de las desgracias del mundo. Podemos sumergirnos además en un par de skylines con reflejos fantasmáticos que dialogan con los dibujos de Glexis Novoa (1964) aquí expuestos.

En efecto, las obras de este artista son también horizontes urbanos inquietantes. Pero, al contrario de Azaceta, quien aquí se mantiene fiel al lienzo, Novoa crea estos dibujos sobre soportes inesperados. Podemos seguir una de sus grafías a todo lo largo de la pared del piso superior, como en un viaje por paisajes ignotos. Hecha a lápiz, es tan sutil que a primera vista podría parecer que la pared está desnuda. Otras tres han sido realizadas sobre pedazos de mármol, en una mezcla de dibujo delicadísimo, escultura y soporte trouvé.

Todas son representaciones minuciosas de arquitecturas que unen modernidad y totalitarismo. Nos recuerdan así que el voluntarismo por forzar una revolución económica, social y cultural propios del fascismo y el comunismo –como estos sistemas en sí mismos–, son hijos monstruosos de los ideales utópicos de la modernidad. Las urbes de Novoa son utopías que han devenido su opuesto. Si Azaceta lleva al grotesco expresionista la dura realidad de nuestras ciudades, Novoa nos turba con la irrealidad inhumana de ciudades perfectas y vacías. Sus panoramas urbanos y su arquitectura de imaginación exaltada son tan impecables como preocupantes: el fruto de una modernidad perversa. La exquisitez del dibujo casi invisible contrasta con la grandiosidad, a menudo impostada, de los edificios y monumentos que ha representado, en un contraste de pesadilla.

Estos contenidos se corresponden con otro derrotero del trabajo de Novoa: sus pinturas e instalaciones pictóricas basadas en un alfabeto cirílico de invención y en recursos formales de la vieja propaganda revolucionaria soviética, o en ella inspiradas. Con estas piezas articula textos incompatibles con lo que se esperaría de esta representación. El artista ha dedicado así su obra toda a deconstruir retóricas vacías, opresivas, y sueños tan falsos como engañosos.»

Paisaje al Límite 2 ocupará las salas de NG Art Gallery desde el 15 de febrero y hasta el 15 de abril de 2022.

febrero 11, 2022

NG Art Gallery | SCOPE Miami Beach & Ch.ACO 2021

Con un mundo cada vez más lejano de la inusual realidad de la pandemia y sus circunstancias, las galerías ferias de arte retoman sus acostumbrados rituales anuales. En el caso de NG Art Gallery, la cita no se hace esperar en SCOPE Miami Beach, una de las ferias satélites de Art Basel Miami; y Ch.ACO, en Santiago de Chile.

En el caso de la feria chilena, en la que NG Art Gallery ha participado ininterrumpidamente desde el 2015, han optado por una variante online, en colaboración con la plataforma de aseroría de arte Red Collectors. NG Art Gallery participa en la feria con una versátil selección que incluye obras de Emmanuel Moses, Mr. Brainwash y Jorge Otero.

SCOPE Miami Beach, por su parte, retoma Miami celebrando 20 años de presencia en sus playas, con más de 140 galerías internacionales, las cuales convivirán con conversatorios de de expertos y eventos nocturnos. La feria exhibirá además con un grupo de instalaciones de primer nivel, que incluyen nombres como el artista ambiental Saype; el peruano Joan Jiménez, también conocido como Entes; y una instalación de NFTs producto de una colaboración entre la galería Superchief y el grupo WHIP.

NG Art Gallery estará participando en SCOPE Miami Beach con una selección de artistas que incluyen a Jorge Otero, Emmanuel Moses, Cisco Merel, William Acosta y José Ángel Vincench.

SCOPE Miami Beach abre sus puertas el 30 de noviembre para invitados Platinum y VIP, y estará abierto, ya para público general entre el 1 y el 5 de noviembre de 2021.

noviembre 26, 2021

William Acosta | Camouflage. Última publicación de NG Ediciones

El proyecto editorial NG Ediciones presenta su obra más reciente, bajo el nombre de William Acosta | Camouflage. La publicación recoge los últimos 5 años de trabajo del joven pintor cubano, a lo largo de 100 páginas en una edición bilingüe de tapa dura, con diseño de Víctor López. El recorrido va de la mano de ensayos críticos de lujo, de la autoría de Luis Enrique Padrón, Magaly Espinosa y Rigoberto Otaño.

Esta publicación se une a otras 2 ediciones monográficas, lanzadas previamente por la editorial (Niels Reyes y Jorge Otero), y 2 catálogos relacionados a eventos organizados por NG Art Gallery: Lo Otro y Servando Cabrera. Sin Embargo es la Vida, respectivamente.

De cara al futuro, NG Ediciones se encuentra trabajando en otra publicación monográfica, esta vez referida a la obra de la artista guatemalteca Sandra Monterroso, y en el desarrollo de una nueva línea editorial, alrededor de colecciones de arte.

mayo 4, 2021

NG Art Gallery a través del 2020

El 2020 ha sido un año de reinvención, de cuestionamientos; un año en el que la humanidad ha tenido que buscar nuevas formas de relacionarse, de entender su propia esencia. NG Art Gallery no fue una excepción.

Durante los primeros meses, ajenos aún a las peculiaridades que nos depararía este 2020, mantuvimos el ritmo acostumbrado. Recibimos el año con la segunda edición de Curaduría Global desde Aquí, un seminario sobre los entresijos de la curaduría y sus aristas, impartido por Gerardo Mosquera en nuestras instalaciones, entre los días 26 y 28 de enero.

Curaduría Global desde Aquí 2, impartido por Gerardo Mosquera.

Unos días más tarde, NG Art Gallery se presentó por primera vez en Photo L.A., la feria más antigua de fotografía en la costa oeste de los Estados Unidos. Activa durante casi 3 décadas, con su nueva sede en el histórico hangar Barker, en el aeropuerto de Santa Mónica, Photo LA recibió en su nave de 35000 pies cuadrados un total de 75 exhibidores, entre los que se encontraron galerías internacionales, organizaciones sin fines de lucro y escuelas de arte. La propuesta de NG incluyó los trabajos de Sandra Eleta, Adrián Fernández y Jorge Otero.

Stand de NG Art Gallery en Photo L.A. 2020 (Los Angeles, CA). Obras de Jorge Otero y Sandra Eleta

Unas semanas más tarde, por febrero, las salas de NG Art Gallery, en Ciudad de Panamá inauguraron la exposición colectiva Zona V.I.P. (2). Muestra que daba continuidad a una anteriormente inaugurada en Atelier NG Havana. La expo indagaba en distintas nociones, asociadas a la construcción del valor, alrededor de la idea de lo que es un “gran artista”. Para ello, reunió 6 nombres diversos, pero de gran calibre en el mundo de las artes visuales contemporáneas: Gustavo Acosta, René Francisco Rodríguez, Julio Larraz, Pedro de Oraá, Mr. Brainwash, y Roberto Diago.

Zona V.I.P (2) en NG Art Gallery, Ciudad de Panamá. Obras de Pedro de Oraá y Julio Larraz

A inicios de marzo, participamos por cuarta ocasión consecutiva en la feria internacional de arte SCOPE New York 2020, que se encontraba celebrando sus 20 años. La propuesta para la feria, con gran aceptación de público, mezcló nombres ya habituales en nuestra nómina, como Jorge Otero, William Acosta y José Ángel Vincench; con otros como Sandra Monterroso, René Francisco Rodríguez, Yohy Suárez, Cisco Merel y Santiago Rodríguez Olazábal.

Stand de NG Art Gallery en SCOPE New York 2020 (Nueva York, NYC). Obras de José Ángel Vincench y René Francisco Rodríguez.

Luego, conforme marzo sumía todo en esa calma obligada por la cuarentena, y el mundo parecía tomarse un descanso, NG Art Gallery readaptó su modelo al nuevo universo de posibilidades digitales que tomaba por asalto al mundo del arte.

Un primer paso se dio con SCOPE Inmersive, variante online de SCOPE Art Show, en la que NG Art Gallery presentó un solo show de Jorge Otero. Luego formamos parte de Open C.h.ACO que, por su parte, fue la adaptación de la chilena Ch.ACO al universo online, y que logró reunir a casi 30 galerías de arte. Art Lima, por su parte, entre los días 22 de abril y 23 de mayo, nos involucró en su iniciativa llamada [Art Lima Online], en la que exhibimos obras de Jorge Otero, Mr. Brainwash y René Francisco Rodríguez. Photo LA también lanzó Photo LA Collect + Connect, entre los días 27 y 28 de junio, buscando replantear el rol de la fotografía en este nuevo entorno en el que la experiencia virtual del usuario resulta fundamental. NG Art Gallery exhibió trabajos de Sandra Eleta, Adrián Fernández, Jesús Abad Colorado y Jorge Otero. Recientemente, a esta lista sumamos SCOPE Inmersive Miami Beach, una adaptación online de SCOPE Miami Beach en la que NG Art Gallery exhibió obras de William Acosta, Emmanuel Moses, Cisco Merel, Carlos Albert y Jorge Otero.

Vista de SCOPE Inmersive Miami Beach, obra de William Acosta.

Pero, más allá de participar durante estos meses de forma virtual en 5 ferias internacionales de arte, NG Art Gallery aprovechó las circunstancias para renovar sus salas, optimizando al máximo las potencialidades de su espacio. Así la galería reabrió sus puertas en septiembre, tomando todas las medidas sanitarias necesarias, con la exposición colectiva Vivir.

Vivir (muestra colectiva), NG Art Gallery, Ciudad de Panamá.

También durante estos meses, colaboramos con el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) de Panamá en la versión online de su acostumbrada subasta anual, titulada en esta ocasión El año que vivimos en peligro. Y, a través de nuestra editorial NG Ediciones, hemos estado trabajando en la confección de 2 publicaciones monográficas que verán la luz durante el próximo año, de los artistas Sandra Monterroso y William Acosta, respectivamente. Otra colaboración interesante ha sido la generada con el centro de arquitectura y diseño CAD69; espacio colaborativo que reúne en su sede en San Francisco a más de 20 empresas.

CAD69, en Ciudad de Panamá, obra de Gerardo Liranza.

Por otro lado, el año ha sido grande para muchos de nuestros artistas. Adrián Fernández inauguró una muestra personal de lujo, curada por Lisset Alonso Compte en el Centro De Arte Contemporáneo Wifredo Lam: Memorias Pendientes. Entre otras, la expo incluye una serie homónima de obras, que fue fue seleccionada por Yasufumi Nakamori (Senior Curator International Art [photography] Tate Modern) para el reconocimiento Lens Culture Art Photography Award 2019 Juror´s Pick. Sandra Monterroso, por su lado, fue nominada entre los finalistas al Premio Julius Baer. Históricamente, la misión del premio ha sido rendir homenaje a la producción de mujeres de Latinoamérica por sus innovaciones, investigaciones e influencias en el arte contemporáneo, ofreciendo un fondo para desarrollar un nuevo proyecto in situ, que será expuesto en la tercera planta del Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO) en 2021

Benjamín Ossa | Libro Segundo (2020)

Benjamín Ossa ha sido otro de los artistas de nuestra nómina que se mantuvo muy ocupado durante este año. En la galería chilena Artespacio inauguró una maravillosa muestra personal titulada De letras frutas y flores, y durante los meses siguientes publicó su Libro Segundo, siendo ésta su tercera publicación (Libro Temprano, 2013 – Libro Primero, 2016). Y, como sus antecesoras, da cuenta de un proceso editorial continuo y paralelo a su producción artística. Jorge Otero, por su parte, cerró el año con su muestra personal Paradigma, inaugurada en Galería Habana en noviembre.

Jorge Otero | muestra Paradigma, en Galería Habana.

Muchos recordaran el 2020 como un año difícil. NG Art Gallery no será una excepción, pero también lo recordaremos como el año en que comenzamos a trabajar con el escultor monumental Carlos Albert, con el gran Antonio José Guzmán, y con el emergente Emmanuel Moses. Si bien no puede negarse que estos son tiempos de riesgos y grandes interrogantes, preferimos ver más allá en la distancia. Preferimos buscar ese día en que el mundo despierte de este letargo, y prepararnos para su llegada.

diciembre 14, 2020

Vivir…NG Art Gallery sale al rescate del tiempo perdido

Luego de meses de confinamiento, NG Art Gallery, con un espacio completamente renovado y tomando todas las medidas sanitarias necesarias, reabre sus puertas al público con la exposición colectiva «Vivir».

La muestra reúne el trabajo de 24 artistas de la nómina de la galería, con diversas manifestaciones y procedencias. La idea que defiende: cómo abordar el arte desde todos los ángulos posibles. Entenderlo no como un lujo o algo efímero, sino como algo imprescindible en nuestras vidas, como algo que nos permite seguir adelante en tiempo adversos, que da sentido a nuestras acciones, a nuestro relato como humanidad.

Para visitar la exhibición, el colectivo de NG Art Gallery ruega sacar cita previa, ya sea mediante el teléfono +507 264 8121, el email info@ngartandgallery.com, o los perfiles de NG Art Gallery en las redes sociales de instagram y facebook.

octubre 14, 2020

Pedro de Oraá. El último gran concreto del arte cubano

Ha sido este un año difícil para la cultura y arte cubanos. Desde hace pocos días, ya no se encuentra entre nosotros el célebre artista cubano Pedro de Oraá (1931 – 2020).

Luego de graduarse de Pintura y Escultura en la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro, cosechó numerosas distinciones a lo largo de su extensa carrera. Tal es el caso de la Distinción por la Cultura Nacional (1995), el Premio Nacional de Diseño de Libros (2011) y el Premio Nacional de Artes Plásticas (2015), entre otros. Aunque siempre será recordado en las aulas de Historia del Arte por haber cofundado en 1957, junto a Salvador Corratgé, Luis D. Martinez Pedro, Loló Soldevilla, Jose Angel Rosabal y Sandú Darié, entre otros, el grupo de los «Diez Pintores Concretos».

Obras suyas figuran en las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes, en Cuba; el Museo Universitario del Chopo, Distrito Federal, México; el Godwin-Ternbach Museum of Queens College, Nueva York; y el Museum of Finest Cuban Arts, Viena. 

Para NG Art Gallery fue un auténtico placer el lujo de exhibir a inicios de este 2020, en su reciente muestra Zona V.I.P (II), una de las últimas esculturas monumentales del maestro. Entendemos en Reloj Solar una forma de hacer las pases con el paso inexorable del tiempo, de entenderlo y aceptarlo como una fuerza de la naturaleza a la que todos los seres vivos estamos atados. DEP, maestro.

agosto 31, 2020

NG Art Gallery y las ferias online

Como parte de la reestructuración que actualmente vive la industria de las artes visuales, y en respuesta al confinamiento físico por el que transita casi todo el mundo, NG Art Gallery se ha expandido a través de varias iniciativas virtuales.

Un primer paso se dio con SCOPE Inmersive, variante online de la prestigiosa SCOPE Art Show, feria con la que NG ha colaborado ya en 11 ediciones (entre Basilea, Nueva York y Miami) que se extienden a lo largo de 6 años de historia juntos. Open Ch.ACO la propuesta de casi 30 galerías de arte. NG Art Gallery, en esta ocasión, ha presentado una exhibición colectiva que incluye el trabajo de Cisco Merel, Mr. Brainwash, Jorge Otero, Sandra Monterroso, William Acosta y José Ángel Vincench.

Finalmente, Photo LA, prestigiosa feria enfocada en promover la fotografía desde Los Ángeles, lanzará Connect Photo LA, una iniciativa que, entre los días 27 y 28 de junio, replanteará el rol de la fotografía en este nuevo entorno en el que la experiencia virtual del usuario es fundamental. Para Connect Photo LA, NG Art Gallery exhibirá una propuesta que incluye trabajos de Adrián Fernández, Sandra Eleta, Jesús Abad Colorado y Jorge Otero.

mayo 31, 2020
NG Art Gallery