La obra de Esterio Segura resulta una suerte de estrella náutica, guiada por una brújula que marca su paso por la vida y por el Arte. Su permanente búsqueda con orientaciones diversas que parten de un mismo centro, la define. De este modo, crea grupos temáticos que abordan sus experiencias y
reflexiones sobre problemáticas de interés universal, partiendo desde ángulos estéticos y conceptuales que se ajustan, cuidadosamente, a la necesidad de lo que intenta comunicar cada obra, tomando muy en cuenta el contexto con el cual dialoga.

En esta ocasión estamos asistiendo a una discreta, pero sólida primera presentación, de una muestra personal con NG Art Gallery, en Panamá, con una selección de obras que pertenecen a cuatro de los más de doce proyectos o grandes grupos de obras que Esterio ha creado en más de treinta años de carrera artística: No todo lo que vuela se come, La Historia se muerde la cola, Submarino hecho en casa y Lost Luggage; cuatro de sus puntos cardinales.

No todo lo que vuela se come, articula su discurso en torno al tópico del viaje. Las obras que constituyen este proyecto mezclan en un mismo objeto elementos que aluden al vuelo con otros específicamente terrenales. A través de esa imbricación se dialoga con la idea del viaje como espacio onírico en oposición a la realidad como espacio estático. La figura del avión se construye como una especie de objetopuente entre dos planos aparentemente separados. El proyecto adopta una visión optimista sobre el hecho de trasladarse de un sitio a otro, a la vez que lo utiliza para discursar acerca de los sueños, las aspiraciones humanas, la soledad y el amor.

Por otro lado, no resulta casual el protagonismo de la figura de Pinocho en un proyecto como La Historia se muerde la cola. En el imaginario popular de varias generaciones, el personaje infantil es la condensación de la eterna lucha entre la verdad y la mentira, entre el bien y el mal. Estas obras, pretenden cuestionar la realidad manipulada detrás del evento histórico, repensando las leyes del hecho desde una perspectiva que se hace más objetiva por el uso del tono de sincera pero aguda ingenuidad, característico de la infancia.

Por su parte, Submarinos hechos en casa es parte de un interés que había sido esbozado de alguna manera en proyectos anteriores donde se fusionan los conceptos asociados a la (in)comunicación, el viaje (virtual o real), la frustración de proyectos y anhelos personales. Una vez más lo híbrido permite integrar en un mismo objeto un coche clásico y modelos de submarinos rusos y americanos de la Segunda Guerra Mundial. En este punto, Submarinos hechos en casa exacerba el componente utópico, la añoranza por hacer real un deseo. De la misma manera en que se pretende poner de manifiesto la capacidad inventiva
del ser humano y el uso de lo artesanal como solución a la falta de recursos y a la necesidad de hacer posible lo imposible.

Indiscutiblemente, la revisión del tópico migratorio es un punto de partida. Pero lo que se pretende puntualizar es más bien el referente físico, la concreción de un sueño. Tomar el carro americano de los años cincuenta como expresión de un ideal fijo aún en la mente de muchos, supone también adentrarse
en el proceso psicológico que acompaña la idea del viaje. Se trata de analizar desde el fetiche —el carro— una coyuntura política, geográfica e histórica específica.

Lost Luggage, se trata de un proyecto que vincula instalación y fotografía. La pieza central es un estuche con forma de avión, diseñado similar al de los instrumentos musicales, pero de grandes dimensiones. Este se convierte en el escenario y el habitáculo migratorio creado para familias completas, de diferentes estratos sociales, razas y procedencias, que tendrán la oportunidad metafórica de viajar dentro de él, a través del documento fotográfico. La idea transgrede el concepto de retrato familiar tradicional, llevándolo hacia el evento histórico o la condición social. De igual modo, Lost Luggage va más allá de la noción de partida física a raíz del fenómeno migratorio pues, hace alusión a conceptos e ideas que se marchan con las personas que emigran y que dan paso al surgimiento de nuevos en el sitio que dejaron.

Servando Cabrera Moreno (1923-1981) fue uno de los exponentes principales del arte cubano del siglo xx. Nacido en 1923 en La Habana, estudió en la Academia de Bellas Artes San Alejandro, de la cual se graduó con honores. En 1943, expuso su primera muestra personal, Retratos al carbón, en el Lyceum y Lawn Tennis Club de La Habana, una de las mejores galerías del país en la época; y, al año siguiente, obtuvo el Primer Premio en el Primer Salón de Otoño. En 1946, cursó estudios en The Art Student’s League de Nueva York y posteriormente, en 1949, en la Académie de la Grande Chaumière de París (entre sus alumnos condiscípulos se encontraban Alexander Calder, Alberto Giacometti, Joan Miró, Amadeo Modigliani y Louise Bourgeois, entre otros grandes artistas).

En 1951, participó en la I Bienal Hispanoamericana de Arte en Madrid, y al año siguiente en la XXVI Bienal de Venecia. Formó parte además de grandes muestras colectivas, como fue Tendencias (Madrid, 1953), junto a Antonio Saura, Edgar Negret y cineasta Carlos Saura, entre otros; y la exposición Arte fantástico, organizada por Antonio Saura en la galería Clan de Madrid junto a reconocidos artistas como Alexander Calder, Joan Miró, Antoni Tàpies, Modest Cuixart, Pablo Picasso y Jorge de Oteiza. En 1956 y 1961, Servando Cabrera Moreno expuso muestras personales en el Palacio de Bellas Artes (hoy Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba). Durante la primera contaba solamente con 33 años de edad. Luego, para 1969 una de sus obras ganó la primera mención en el VIII Premio Internacional de Dibujo Joan Miró, otorgado por la Fundación Joan Miró. La obra que desarrolló durante estos años, lo consolidaría como un pionero indiscutible del arte erótico y homoerótico en Latinoamérica y en el mundo. Falleció en 1981, y dos años más tarde, en 1983 tuvo otra retrospectiva en el Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba.

La muestra Desde mi isla, celebra el centenario de su natalicio. Para ello, la exposición recorrerá toda la vida del artista y sus diversas etapas creativas. Las salas de NG Art Gallery acogen con mucho orgullo piezas de la colección del Museo Biblioteca Servando Cabrera Moreno, y de la Fundación Los Carbonell, dos de las colecciones más importantes del artista en el mundo.

Antonio José Guzmán es un artista inmerso en la investigación constante de la historia y la raza. Sus instalaciones y trabajos multidisciplinares, inspirados en reflexiones sobre identidades diaspóricas, narración y análisis cultural, lo han posicionado como uno de los artistas panameños más contemporáneos y universales. 

Movimiento Interestelar es el título de su primera exposición personal en Panamá. La poética visual de Guzmán se articula a partir de patrones gráficos indígenas tradicionales de Panamá, mezclados con la secuenciación del ADN del artista, mediante un algoritmo de orden secuencial de redistribución espacial. A partir de su serie Electric Dub Station, la muestra se articulará como una eclosión de sentidos, involucrando obras bidimensionales, instalaciones textiles y un performance en la noche de su inauguración. La muestra ocupará las salas de NG Art Gallery hasta inicios de mayo de 2023.

Las obras de Yohy Suárez están impregnadas de una energía traviesa, como una suerte de tormenta que aborda al espectador, arrastrándolo hacia la anarquía y la locura. Cada pieza es una danza caótica, un compendio de memorias, un tejido de momentos que se aproximan, se alejan y se cortan. Para NG Art Gallery es un placer acoger la más reciente muestra personal de Yohy Suárez en sus salas.

Memorias exhibe un cuerpo de trabajo que resume la investigación que Yohy Suárez ha venido desarrollando en los últimos años. Sus piezas sugieren elementos ocultos, interrogantes que se manifiestan en la yuxtaposición de pigmentos naturales como el café y el carboncillo. Cada una involucra a la ciudad como escenario por excelencia; a una humanidad, deformada y fragmentada; y finalmente al espectador, como elemento de cierre. Cada obra es una invitación al ojo de la tormenta, a dejarse llevar por la fuerza de ese caos que, de alguna manera, contiene su propia belleza, su propio orden latente.

Memorias ocupará las salas de NG Art Gallery durante todo el mes de marzo de 2023.

El arte panameño de hoy pudiera ser visto como una especie de poliedro, conformado por caras que cambian constantemente. Planos del discurso que mutan, ya sea sincronizados en respuesta a ciertos eventos, o adaptándose a nuevas generaciones. La muestra colectiva Planos en contacto se presenta en NG Art Gallery como un espacio de encuentro y diálogo entre estas zonas del discurso artístico panameño.

Un primer grupo de obras, entre las que se encuentran trabajos de Cisco Merel y Emmanuel Moses, develan el desarrollo de un lenguaje abstracto, que oscila entre lo gestual y lo geométrico. En el caso de Cisco, la abstracción transgrede las posibilidades del óleo y apela a una materialidad casi ontológica desde la que concibe nuestra identidad. Moses, por su lado, descompone la luz con la que percibimos el paisaje, reordenándola a través del color en su obra.

Otro cúmulo de trabajos, que incluye piezas de Lulú V. Molinares y Silfrido Ibarra, trazan un paralelismo entre el pasado y lo que aún está por suceder, entre la memoria y aquello con lo que soñamos, entre la historia y lo posible. La obra de Silfrido nos muestra un Panamá perdido en el tiempo, de pequeños pueblos anclados en el pasado. Cálido en el recuerdo, como el olor a café y tierra mojada en las tardes. Lulú, por su parte, le ha dado forma física mediante el tejido a su mundo fantástico: un refugio bello, que protege, a todo el que lo necesite, de la violencia y la apatía; una creación que le habla a aquellos que nos ven desde el futuro, sobre la posibilidad de una sociedad más justa, que incluya a todos los que la habitan.

Finalmente, un tercer grupo de obras apelan a los orígenes de nuestro relato nacional, uno teñido de razas, de cultura, de mitos y rituales. Artistas como Isabel de Obaldía, Humberto Vélez, Giana De Dier y Antonio José Guzmán articulan sus discursos desde las raíces del tiempo. Hablan de patrones visuales en nuestra genética cultural, de animales totémicos que han transgredido el paso de las eras, de personajes perdidos en la Historia, de razas y mundos míticos, construidos a partir del nuestro.

Así como Panamá es un lugar de encuentro y conexión, Planos en Contacto es una oportunidad para explorar y reflexionar sobre las diversas perspectivas y formas de expresión en el arte panameño contemporáneo. La muestra funciona como metáfora de la geografía del istmo, un país que se encuentra en una posición única, entre dos océanos y dos continentes, entre diferentes épocas, culturas y regiones

La muestra ocupará las salas de NG Art Gallery durante todo el mes de febrero de 2023.

Desde los inicios del tiempo, el hombre ha recordado a sus dioses y sus héroes en altares, que con el paso de los siglos se convirtieron en monumentos, adornando templos, veredas y paseos. Esta tendencia dentro de las artes visuales, conocida como escultura conmemorativa, se sostiene sobre la idea de conservar la memoria de personas o hechos históricos a través de emplazamientos escultóricos. Con la continua especialización de los artistas dedicados a esta rama, los monumentos adquirieron un lenguaje codificado a través de símbolos muy precisos. Así, por ejemplo, figuras que en vida habían sido intelectuales, eran representados sentados, los políticos de pie, y los guerreros y militares en esculturas ecuestres, entre otros muchos elementos.

Gabriel Cisneros nos habla en esta lengua, oculta en el tiempo. Utiliza su simbología como una especie de guion, y en el proceso subvierte valores muy precisos, que le permiten adecuarlo a nuestro contexto. Sus esculturas adoptan los rasgos propios de una figuración académica virtuosa, pero a partir de situaciones distintas, trastocando los signos de la tradición que las respalda, exigiéndoles una coherencia más acorde a nuestros días.

Piezas como Hombre mirando al sur, Ocio o El gran orador, por ejemplo, nos muestran figuras de pie (recordemos que así eran recordados los políticos) con ligeras modificaciones, que provienen de la propia representación, y que juegan, muchas veces entre la ironía y el sarcasmo, con la readecuación de estos personajes públicos en la sociedad contemporánea. ¿Cómo serán recordados muchos de nuestros políticos, o cómo merecen ser recordados? Es la pregunta que algunas de estas piezas nos susurran al oído. Otras como Afecto o La embestida, se limitan a la recontextualización de las figuras que representan, a omitir o disponer de una forma ligeramente distinta aquello que esperamos ver como espectadores. Buscan la extrañeza, y en el proceso nos guían por caminos insospechados dentro de nuestra percepción y nuestra psiquis. Finalmente, piezas como Piedad o Éxtasis involucran la carga simbólica de la tradición judeocristiana, y su extensa historia en la cultura occidental, desde un enfoque fresco y desprejuiciado. Pero no solo eso. Piedad, por ejemplo, también habla de la guerra, de esos matices del relato bélico que involucran a la familia, y cuestiona el romanticismo con que ha sido tratado. Éxtasis, por su parte, busca sacar de su entorno habitual a la que posiblemente sea la figura más representada de la historia, y permitirle un merecido descanso.

En Sobre jinetes y amantes, vemos cómo el trabajo reciente de Gabriel Cisneros traza el diálogo con su espectador desde diversas líneas discursivas. Líneas que en algún punto se complementan, del mismo modo que lo hacen las cuerdas de un instrumento musical. Entre algunos tonos graves y otros, más agudos, su melodía nos cuenta muchas verdades. Unas no tan placenteras. Otras extremadamente bellas.

La exposición ocupará las salas de NG Art Gallery hasta diciembre del 2022.