Las obras de Yohy Suárez están impregnadas de una energía traviesa, como una suerte de tormenta que aborda al espectador, arrastrándolo hacia la anarquía y la locura. Cada pieza es una danza caótica, un compendio de memorias, un tejido de momentos que se aproximan, se alejan y se cortan. Para NG Art Gallery es un placer acoger la más reciente muestra personal de Yohy Suárez en sus salas.

Memorias exhibe un cuerpo de trabajo que resume la investigación que Yohy Suárez ha venido desarrollando en los últimos años. Sus piezas sugieren elementos ocultos, interrogantes que se manifiestan en la yuxtaposición de pigmentos naturales como el café y el carboncillo. Cada una involucra a la ciudad como escenario por excelencia; a una humanidad, deformada y fragmentada; y finalmente al espectador, como elemento de cierre. Cada obra es una invitación al ojo de la tormenta, a dejarse llevar por la fuerza de ese caos que, de alguna manera, contiene su propia belleza, su propio orden latente.

Memorias ocupará las salas de NG Art Gallery durante todo el mes de marzo de 2023.

El arte panameño de hoy pudiera ser visto como una especie de poliedro, conformado por caras que cambian constantemente. Planos del discurso que mutan, ya sea sincronizados en respuesta a ciertos eventos, o adaptándose a nuevas generaciones. La muestra colectiva Planos en contacto se presenta en NG Art Gallery como un espacio de encuentro y diálogo entre estas zonas del discurso artístico panameño.

Un primer grupo de obras, entre las que se encuentran trabajos de Cisco Merel y Emmanuel Moses, develan el desarrollo de un lenguaje abstracto, que oscila entre lo gestual y lo geométrico. En el caso de Cisco, la abstracción transgrede las posibilidades del óleo y apela a una materialidad casi ontológica desde la que concibe nuestra identidad. Moses, por su lado, descompone la luz con la que percibimos el paisaje, reordenándola a través del color en su obra.

Otro cúmulo de trabajos, que incluye piezas de Lulú V. Molinares y Silfrido Ibarra, trazan un paralelismo entre el pasado y lo que aún está por suceder, entre la memoria y aquello con lo que soñamos, entre la historia y lo posible. La obra de Silfrido nos muestra un Panamá perdido en el tiempo, de pequeños pueblos anclados en el pasado. Cálido en el recuerdo, como el olor a café y tierra mojada en las tardes. Lulú, por su parte, le ha dado forma física mediante el tejido a su mundo fantástico: un refugio bello, que protege, a todo el que lo necesite, de la violencia y la apatía; una creación que le habla a aquellos que nos ven desde el futuro, sobre la posibilidad de una sociedad más justa, que incluya a todos los que la habitan.

Finalmente, un tercer grupo de obras apelan a los orígenes de nuestro relato nacional, uno teñido de razas, de cultura, de mitos y rituales. Artistas como Isabel de Obaldía, Humberto Vélez, Giana De Dier y Antonio José Guzmán articulan sus discursos desde las raíces del tiempo. Hablan de patrones visuales en nuestra genética cultural, de animales totémicos que han transgredido el paso de las eras, de personajes perdidos en la Historia, de razas y mundos míticos, construidos a partir del nuestro.

Así como Panamá es un lugar de encuentro y conexión, Planos en Contacto es una oportunidad para explorar y reflexionar sobre las diversas perspectivas y formas de expresión en el arte panameño contemporáneo. La muestra funciona como metáfora de la geografía del istmo, un país que se encuentra en una posición única, entre dos océanos y dos continentes, entre diferentes épocas, culturas y regiones

La muestra ocupará las salas de NG Art Gallery durante todo el mes de febrero de 2023.

Desde los inicios del tiempo, el hombre ha recordado a sus dioses y sus héroes en altares, que con el paso de los siglos se convirtieron en monumentos, adornando templos, veredas y paseos. Esta tendencia dentro de las artes visuales, conocida como escultura conmemorativa, se sostiene sobre la idea de conservar la memoria de personas o hechos históricos a través de emplazamientos escultóricos. Con la continua especialización de los artistas dedicados a esta rama, los monumentos adquirieron un lenguaje codificado a través de símbolos muy precisos. Así, por ejemplo, figuras que en vida habían sido intelectuales, eran representados sentados, los políticos de pie, y los guerreros y militares en esculturas ecuestres, entre otros muchos elementos.

Gabriel Cisneros nos habla en esta lengua, oculta en el tiempo. Utiliza su simbología como una especie de guion, y en el proceso subvierte valores muy precisos, que le permiten adecuarlo a nuestro contexto. Sus esculturas adoptan los rasgos propios de una figuración académica virtuosa, pero a partir de situaciones distintas, trastocando los signos de la tradición que las respalda, exigiéndoles una coherencia más acorde a nuestros días.

Piezas como Hombre mirando al sur, Ocio o El gran orador, por ejemplo, nos muestran figuras de pie (recordemos que así eran recordados los políticos) con ligeras modificaciones, que provienen de la propia representación, y que juegan, muchas veces entre la ironía y el sarcasmo, con la readecuación de estos personajes públicos en la sociedad contemporánea. ¿Cómo serán recordados muchos de nuestros políticos, o cómo merecen ser recordados? Es la pregunta que algunas de estas piezas nos susurran al oído. Otras como Afecto o La embestida, se limitan a la recontextualización de las figuras que representan, a omitir o disponer de una forma ligeramente distinta aquello que esperamos ver como espectadores. Buscan la extrañeza, y en el proceso nos guían por caminos insospechados dentro de nuestra percepción y nuestra psiquis. Finalmente, piezas como Piedad o Éxtasis involucran la carga simbólica de la tradición judeocristiana, y su extensa historia en la cultura occidental, desde un enfoque fresco y desprejuiciado. Pero no solo eso. Piedad, por ejemplo, también habla de la guerra, de esos matices del relato bélico que involucran a la familia, y cuestiona el romanticismo con que ha sido tratado. Éxtasis, por su parte, busca sacar de su entorno habitual a la que posiblemente sea la figura más representada de la historia, y permitirle un merecido descanso.

En Sobre jinetes y amantes, vemos cómo el trabajo reciente de Gabriel Cisneros traza el diálogo con su espectador desde diversas líneas discursivas. Líneas que en algún punto se complementan, del mismo modo que lo hacen las cuerdas de un instrumento musical. Entre algunos tonos graves y otros, más agudos, su melodía nos cuenta muchas verdades. Unas no tan placenteras. Otras extremadamente bellas.

La exposición ocupará las salas de NG Art Gallery hasta diciembre del 2022.

Emmanuel Moses entiende el color como una puerta de entrada al lienzo. Le sirve como herramienta para dar forma a sus portales, para acceder a ese otro plano de la realidad al que estos lo conducen. El color está presente en todos los procesos de su vida, incluso más allá de su obra. La luz, por otro lado, es el inicio y el fin de la imagen, es la saturación total de todos los colores, o la ausencia absoluta de ellos. Es el todo y es la nada, el medio y el fin de cada uno de los viajes que su trabajo propone.

Fabelo Hung, por su parte, entiende una idea de la luz que trasciende la mera acepción visual de la palabra. Para él, la luz, vista como un conjunto de ondas electromagnéticas, también es información, conocimiento y sabiduría. Es energía que se proyecta dentro del caos cósmico de la realidad.

Emmanuel Moses siente que las piezas que ha desarrollado para esta muestra son como una explosión de nuevos caminos y formas, cuyo punto de partida se encuentra en líneas anteriores de trabajo. En ellas da continuidad a esa búsqueda de la tridimensionalidad, dentro de los códigos de la abstracción, a partir de elementos bidimensionales. Además, incorpora por primera vez representaciones del mundo físico en sus obras: el cosmos como metáfora de la inmensidad, como una sutil manera de potenciar los viajes que plantean sus portales, de darles ese abismo, ese sentimiento de profundidad infinita a sus obras. «Buscaba salir de mi zona de confort –nos ha confesado personalmente- y creo que con estas obras lo he logrado».

Fabelo Hung devela en sus piezas parte de las investigaciones que ha venido desarrollando sobre la noción del Kali Yuga, una de las cuatro eras que forman los ciclos de la cosmología hindú, y en la cual nos encontramos actualmente. El Kali Yuga, que históricamente ha sido cercano a la representación de la destrucción y la oscuridad, también se caracteriza por ser la era del caos, en la que los límites de la realidad se desdibujan, hasta perderse completamente. En su trabajo, Fabelo Hung relaciona esta idea con el cúmulo de imágenes e información en la que nos hundimos, cada día un poco más, como individuos. Con las ondas electromagnéticas bombardeadas continuamente por un sinfín de pantallas, con la asimetría de colores y de luz (tal y como él la entiende) con que la sociedad nos satura, con la perturbación y el conflicto.

Para Emmanuel Moses, el arte es un camino que le permite explorar su obsesión con ciertas figuras. Un pacto entre el control, necesario para trazar cada línea, para medir cada partícula de color, para pensar cada pieza; y las promesas de aventura, del viaje, de la introspección, contenidas en sus obras. «Para lograr un portal que me permita soñar con otros mundos, debo trascender en la disciplina y el control de mis sentidos. Solo mediante la convergencia de estas 2 fuerzas, una que mira hacia el interior, y otra que me transporta a otras dimensiones de la realidad, me es posible acceder al arte».

En el caso de Fabelo Hung, la práctica artística tiene un sentido liberador. Le permite condensar toda la historia del universo en un único instante, interactuar de manera libre y emancipadora con sus circunstancias. «El arte más que un proceso, es la filosofía con la que asumo la vida, un prisma con el poder de ver la verdad que esconde el universo».

A partir del miércoles 12 de octubre de 2022, el trabajo de estos dos artistas coexistirá en las salas de NG Art Gallery, bajo el título de Color y Luz. La exposición buscará el diálogo entre sus respectivas investigaciones artísticas, construido en paralelo, mediante los códigos de la museografía.

La muestra Espacios en diálogo reúne a un grupo de artistas que se mueven, cómodamente, entre una escala pública y otra, más íntima. Obras que le hablan a un único espectador, pero que en su voz contienen la esencia de quien se sabe capaz de crear para muchos.

Así, dialogan en una misma sala el trabajo de artistas como Mr. Brainwash y Okuda San Miguel, que comenzaron sus carreras en el arte urbano; con otros que, desde el espacio privado de la galería, han tomado la escala pública en más de una ocasión, como son Isabel de Obaldía, Cisco Merel, Benjamín Ossa, o Emmanuel Moses. También se encuentran casos como los de Adrián Fernández y Jorge Otero que, al transgredir la escala habitual de sus trabajos, han cambiado también sus manifestaciones, moviéndose de la fotografía a la escultura monumental y al performance instalativo, respectivamente. O Rafael Villares, cuya carrera ha desarrollado en paralelo una afinidad equitativa por obras de pequeña y gran escala.

Adrián Fernández es un caso peculiar dentro del arte contemporáneo, moviéndose con igual comodidad entre la fotografía y la escultura.En su caso, al ampliar la escala, apela a una tercera dimensión que recrea sus metáforas sociales. Entre otros reconocimientos, su serie Memorias Pendientes fue seleccionada en el 2019 por el jurado Yasufumi Nakamori, Curador de la Tate Modern, como parte de la prestigiosa revista Lens Culture.

Por otro lado, la producción artística de Cisco Merel se basa en una rigurosa investigación formal y espacial en donde la geometría, la arquitectura, el color, la abstracción y los fenómenos visuales y sensoriales funcionan también como tema principal. En proyectos recientes Cisco ha vuelto a sus inicios en en el arte urbano, llevando a una escala pública series como La Máquina del Flow, o Estudio modular.

El singular lenguaje iconográfico de Okuda San Miguel, formado por estructuras geométricas y patrones multicolores, junto a su activa participación en grandes proyectos de calado social, lo han convertido en uno de los artistas más reconocidos y admirados del mundo. Destacan logros como el de ser el primer artista contemporáneo requerido para la creación de la Falla Municipal de Valencia; su espectacular itinerario de esculturas por el paseo marítimo de Boston; o su participación en Titanes, proyecto de inclusión social a través del arte.

Emmanuel Moses, por su parte, ha desarrollado una obra en la que se vale de la geometría y los colores puros para lograr la profundidad y el movimiento a partir del plano. Llevar sus temas al ámbito público le ha permitido en varias ocasiones acceder a un rango más amplio de lecturas. Tal es el caso de Diálogo, en La Habana, donde dos portales interconectados desde colores complementarios al espacio urbano funcionan como umbrales al pasado, a la memoria de la ciudad; pero también a sus sueños, a sus posibles futuros.

Desde sus inicios en el arte urbano junto a Banksy, la obra de Mr. Brainwash (pseudónimo del artista Thierry Guetta) se ha vuelto una marca establecida globalmente. En sus colaboraciones con fines sociales ha involucrado a figuras como Stan Lee, la legenda del fútbol Pelé, o incluso al papa Francisco.

También fue presentada la obra de Benjamín Ossa, que aborda problemáticas de percepción entre el individuo y el espacio. Su estudio de los fenómenos, y sus desplazamientos a obras en espacios públicos, apela a la experiencia y utiliza la luz y el sonido como material y herramienta de trabajo. Además de su reciente participación en la 13ma Bienal de la Habana, la prestigiosa editorial Phaidon, de Londres, lo ha incluido en Prime: Art´s Next Generation, como uno de los artistas contemporáneos más innovadores e interesantes de esta próxima generación.

Por otro lado, se exhiben piezas de Rafael Villares. Todo su trabajo gravita alrededor de la relación entre el espacio y quien lo habita, precisamente porque la percepción sensorial es un acto no sólo físico, sino también cultural. Gracias a su peculiar forma de entender las subjetividades del paisaje, además de su participación en la Bienal de Vancouver, la Bienal de Venecia y su reciente beca en Yale University, piezas como Árbol de Luz o Paisaje itinerante han merecido reconocimientos de renombre, como es el Arte Laguna Prize de Venecia.

Otros artistas, como Jorge Otero se extienden en su obra, mediante símbolos, a través de las tradiciones y la Historia de su país. Su trabajo fotográfico habla de estos relatos utilizando el tejido como una fuente inagotable de metáforas y procesos. En las ocasiones en que su obra ha ampliado sus límites, más allá del espacio de la galería, se ha volcado a otras manifestaciones, como la instalación o el performance, pero siempre ha mantenido esa intención cuestionadora en su esencia.

Cada obra de arte ha sido creada, en cierta medida, desde un diálogo con el lugar que está destinada a ocupar. Hay piezas pensadas con proporciones minúsculas, con límites claros, como los de un relato, donde prima el detalle, y hasta el más ínfimo de los elementos cumple una función trascendental. Otras, de una amplitud infinita, son concebidas más como experiencias que fluyen, del mismo modo que un cuerpo de agua, por los sentidos del espectador.

Para NG Art Gallery, resulta un grato placer incorporar a Okuda San Miguel a su nómina de artistas. Nacido en Santander en 1980, Okuda San Miguel reside actualmente en Madrid, España, donde también tiene su estudio. Licenciado en Bellas Artes, por la Universidad Complutense de Madrid, ha sabido desarrollar un singular lenguaje iconográfico, formado por estructuras geométricas y patrones multicolores.

Tras el punto de inflexión en su carrera que supuso Kaos Temple -o la reconversión a finales de 2015 de una iglesia/skate-park en hito del arte contemporáneo-, Okuda es a día de hoy reclamado a nivel internacional por instituciones culturales y marcas privadas; tanto por sus proyectos públicos a gran escala, como por su propia y heterogénea práctica de estudio, iniciada en 2009. 

Okuda cuenta en su haber con intervenciones murales y escultóricas, exposiciones en galerías y museos que han podido ser disfrutadas en los cuatro continentes. Destacan logros como el de ser el primer artista contemporáneo requerido para la creación de la Falla Municipal de Valencia; su espectacular itinerario de esculturas por el paseo marítimo de Boston; o su participación en Titanes, proyecto de inclusión social a través del arte.

Su uso del color y la geometría se mezclan en sus creaciones con formas orgánicas, dando lugar a una simbología que anima a la reflexión a través de piezas que podrían clasificarse como Surrealismo Pop, pero con una clara esencia de la calle. Buscando inspirar al espectador, sus obras plantean cuestiones universales que, sin embargo, dejan en manos del público la interpretación final de las mismas. 

Sobre su obra, el propio Okuda ha dicho:

Tanto en el estudio como en la calle, no me gusta dar mensajes cerrados pero sí hablo de temas universales. Yo intento abrir caminos en lugar de tratar de dar respuestas cerradas. Desde mi punto de vista, lo importante no es la solución sino el camino hacia la misma. Por ello, el mío no es un mensaje cerrado sino abierto a interpretaciones, tanto del que ve mi obra paseando por la calle como del que la observa expuesta.