En “Costumbrismo Futurista”, Okuda nos propone observar cómo la transformación global a la que asistimos se ve plasmada en su obra y nos permite detectar el origen de sus inquietudes y trazar el recorrido de su mensaje. Guiños, referencias, alusiones, bromas, miedos y reflexiones se materializan en bailes, musas, gracias, muertes y personas que, desde la indefensión del retrato, nos proponen pensar en cómo nos dividimos a la hora de observar. 

Estos son algunos de los mecanismos que Okuda utiliza para enfatizar la transición hacia nuevos paradigmas donde los mensajes universales se manifiestan en una suerte de ritual de lo habitual. Una mirada desde el mito de un pasado feliz (La Danza de Matisse) hacia un (in)cierto futuro en una época, otra, de grandes cambios.

Un vehículo, el “Costumbrismo”, sirve para mostrar escenas de lo cotidiano, de las costumbres que forman parte de la tradición de cada lugar desde un enfoque sencillo que no juzga ni la cotidianeidad ni las costumbres representadas. Okuda nos invita a una re-visitada “compleja sencillez” que propone una mordaz mirada al destino de lo cotidiano, desde el día a día de esta época de gran progreso que vivimos. 

Composiciones en su característico Surrealismo Pop reúnen cuestiones pos-modernistas con iconos de la cultura de masas para describir, en escenas cotidianas, la asimilación y normalización de una generalizada pérdida de valores y de credibilidad de los relatos, ya no históricos, si no mediáticos de nuestro mundo hyper-conectado. En definitiva, una crítica a los mecanismos que conforman el día a día contemporáneo y una forma de relativizar el progreso de una época de supuestos grandes avances y dudosas promesas a la que asistimos atónitos.

El singular lenguaje iconográfico de Okuda, junto a su activa participación en grandes proyectos de calado social, lo han convertido en uno de los artistas más reconocidos y admirados del mundo. A día de hoy reclamado a nivel internacional por instituciones culturales y marcas privadas; tanto por sus proyectos públicos a gran escala, como por su propia y heterogénea práctica de estudio, iniciada en 2009.

Okuda cuenta en su haber con intervenciones murales y escultóricas, exposiciones en galerías y museos que han podido ser disfrutadas en los cuatro continentes. Destacan logros como el de ser el primer artista contemporáneo requerido para la creación de la Falla Municipal de Valencia; su espectacular itinerario de esculturas por el paseo marítimo deBoston; o su participación en Titanes, proyecto de inclusión social a través del arte.

A partir del miércoles 14 de junio de 2023, las salas de NG Art Gallery reciben con orgullo el trabajo de este reconocido artista español.

Zona Maco vuelve al ruedo ese próximo 8 de febrero de 2023 en Centro Citibanamex, Ciudad de México, después de ya haber celebrado una exitosa pasada edición en 2022 con más de 57 mil visitantes. La feria presenta desde las propuestas más jóvenes y de mediana carrera hasta obras contemporáneas de artistas globales y piezas históricas de arte moderno, reuniendo a expositores de talla internacional en cuatro secciones especializadas.

En el stand C113, NG Art Gallery exhibirá obras de los artistas Cisco Merel y Rafael Villares en la Sección General, la más amplia de toda la feria. Esta sección presenta además el trabajo de galerías líderes a nivel internacional con piezas de la más alta calidad en pintura, gráfica, escultura, instalación, video y nuevos medios, de los artistas contemporáneos más representativos de la escena global.

Cisco Merel exhibirá obras de su reciente serie Convergent Evolution, en la cual sintetiza los valores culturales de Panamá, desde su apropiación característica de los códigos del abstraccionismo. Las piezas de la serie mezclan recursos muy precisos de la arquitectura y las tradiciones culturales, para presentar una visión contemporánea de la sociedad panameña, en diálogo eterno entre el futuro y su historia.

En el caso de Rafael Villares, todo su trabajo discursa alrededor de la relación entre el espacio y quien lo habita, precisamente porque la percepción sensorial es un acto no sólo físico, sino también cultural. Gracias a su peculiar forma de entender las subjetividades del paisaje, además de su participación en la Bienal de Vancouver, la Bienal de Venecia y su reciente beca en Yale University, piezas como Árbol de Luz o Paisaje itinerante han merecido reconocimientos de renombre, como es el Arte Laguna Prize de Venecia.

La cita de NG Art Gallery en las playas de Miami cada diciembre ha sido constante desde el año 2014. SCOPE Miami, una de las mayores ferias de la Miami Art Week, ha sido la sede por excelencia. En esta ocasión, NG Art Gallery presentará el trabajo de Rafael Villares, Cisco Merel, Emmanuel Moses, Yohy Suárez, Fabelo Hung y William Acosta.

En esta edición de 2022, SCOPE acogerá a 130 galerías, y una programación enfocada en la experimentalidad, que incluirá eventos matutinos de mindfullness, conversatorios con paneles especializados en artes visuales, performances, y eventos exclusivos.

Por otro lado, SCOPE está orgulloso de celebrar The New Contemporary, su programa ingine dedicado a activaciones experimentales multidiciplinarias.  Localizado en el atrio expandido, este espacio presentará macro instalaciones artísticas, música, y performances a lo largo de todo el día.

Regresando nuevamente a un emplazamiento físico, luego de 3 años, Ch.ACO abrió sus puertas el pasado miércoles 16 de noviembre de 2022. NG Art Gallery fue una de las galerías internacionales que presentó su trabajo en la feria de arte más importante de Santiago de Chile.

Con una selección de Cisco Merel, Rafael Villares, Emmanuel Moses, William Acosta, Okuda San Miguel y Mr. Brainwash, el stand de NG Art Gallery hibridaba corrientes diversas dentro de la Historia del Arte, como la abstracción centroamericana de los panameños Merel y Moses, con el arte urbano de Okuda y Mr. Brainwash.

El punto climático de la feria fue cuando galardonaron a Rafael Villares, como el artista nominado en ChACO al EFG Latin American Art Award. En alianza con ArtNexus, en el decimosegundo aniversario del premio, Villares fue el quinto nominado con la obra “El fondo de la superficie I”. Durante la Miami Art Week, se decidirá el ganador del premio, entre los 5 nominados (uno por cada una de las mayores ferias de arte de Latinoamérica). Seleccionado en Ch.ACO (Santiago, Chile), el artista cubanos fue nominado por Celia Birbragher, editora y directora de ArtNexus y Sebastián Vidal, curador independiente.

Silfrido Ibarra cursó estudios en la Escuela de Bellas Artes de Chiriquí y en La Universidad Nacional de Costa Rica. En 1987, obtuvo el Tercer Premio en el Concurso Nacional de Pintura de Panamá. Su obra aborda la temática del paisaje, desde un academicismo virtuoso, resaltando una visión poderosa de la naturaleza panameña. Sobre su trabajo, Pedro Luis Prados ha dicho:

En Silfrido Ibarra el arte es expresión de impresiones, en la cual la carga subjetiva, ese largo proceso de interiorización del mundo, se desdobla y restituye en nuevas realidades, recreadas por el arte. Surge de esta forma una nueva via de interacción de la conciencia y el mundo, dando contenidos y significados imponderables al acto de creación. El mundo de sueños que nos brinda el artista ofrece también nuevas esperanzas al sentido que tiene el arte como forma de liberación y realización del hombre.

El trabajo de Silfrido Ibarra ha sido expuesto de forma individual y colectiva en Panamá, Costa Rica, Perú, Chile, Estados Unidos, Ecuador, República Dominicana, Cuba y Colombia, entre otros. Para NG Art Gallery es un placer genuino incluir su nombre entre la nómina de artistas que representa.

Fundada en 1895, la Exposición Internacional de Arte de Venecia, conocida hoy como La Bienal de Arte de Venecia, es considerada en su género, la más importante de Italia y una de las más relevantes del mundo. Celebrando su 59na edición en este 2022, el Pabellón Nacional de Cuba presenta, entre otros, a Rafael Villares.

Tierra Ignota es la propuesta que ha traido Villares a Venecia. Quien sin lugar a dudas es considerado uno de los nombre más prometedores de su generación, ha entrado en la ciudad de los canales por la puerta grande, con una muestra que analiza, desde varias aristas nuestra relación con nuestro entorno.

Tierra Ignota reune trabajos de 3 series capitales, dentro de la obra de Villares. Cada una demuestra, desde posturas complementarias, las preocupaciones que ha abordado el artista durante su carrera, en relación delicado momento que nos ha tocado vivir como especie. La serie Paradoja topográfica, por ejemplo, despliega un razonamiento sobre los ciclos de muerte y resurrección en los que se encuentra el mundo actualmente, el calentamiento global, y el tiempo como un bucle inacabable. También exhibe piezas de su serie Fragmentos de Mundo, en donde una montaña de mapas y escombros no solo nos muestran un mundo fragmentado y caótico, sino cubierto por límites y fronteras efímeros, que solo existen en la mente del hombre. Finalmente, corona la sala un dibujo de la serie Inmersion, en donde se las similitudes entre un paisaje montañoso y el lecho marino nos hacen cuestionar nuestra relación con nuestro entorno.

Visto como un paso más en la secuencia de eventos de la carrera artística de Rafael Villares, esta participación en la Bienal de Venecia no solo suponía el próximo peldaño lógico en el horizonte de este prometedor artista, sino además una nueva puerta de posibilidades que se abre ante sus ojos.

A partir del jueves 21 de abril de 2022, NG Art Gallery estará exhibiendo en sus salas la muestra personal de Cisco Merel Convergent Evolution. Cisco Merel dio sus primeros pasos en el mundo del arte a través del graffiti y el street art, llegando a formar parte de prestigiosas publicaciones, como es el caso de «100 Sculptors of Tomorrow», publicado por la prestigiosa editorial Thames & Hudson. Actualmente Cisco Merel es considerado por muchos como uno de los nombre más relevantes del arte panameño contemporáneo.

Sobre esta exposición, el artista y curador Jonathan Harker nos cuenta lo siguiente:

En Convergent Evolution, Cisco presenta una serie de ensamblajes geométricos abstractos que oscilan entre la pintura y la escultura, conformando entre ellas una especie de tipología topológica modular, en la cual tres elementos primarios –el barro, el acero inoxidable y el color– convergen en quince piezas nuevas de diversos tamaños y configuraciones. Para Cisco, cada uno de esos tres elementos posee sus propias cualidades plásticas y cargas simbólicas, y a través de su repetida combinación y recombinación, él busca evocar algunas de las experiencias de vida que tuvo creciendo entre la capital y el interior, y
también comentar sobre ciertas idiosincrasias culturales y políticas de la sociedad panameña.

El término evolución convergente proviene de la biología evolutiva, y denota el proceso por medio del cual organismos distantemente relacionados desarrollan rasgos similares de manera independiente para adaptarse a entornos comunes. Un ejemplo clásico es la recurrente evolución del vuelo: insectos voladores, pájaros, murciélagos y pterosaurios (Q.E.P.D.), cada uno por su lado y a su manera, pero todos por necesidad, desarrollaron la útil capacidad de volar. Cisco y yo intuitivamente decidimos apropiarnos del concepto de evolución convergente para titular esta muestra, de paso adaptándolo a conveniencia
para dilucidar sobre los procesos graduales de ensayo, error, modificación y acierto que él atravesó al experimentar con el uso combinado del color, el acero y el barro antes y durante la concepción y producción de las piezas aquí exhibidas.

Cisco lleva más de dos décadas explorando el universo del color, y su uso –especialmente el de ciertas tonalidades saturadas comúnmente asociadas con la arquitectura afro-antillana, la rotulación tradicional, los diablos rojos y muchos tipos de anuncios publicitarios– es emblemáticamente recurrente en su obra. En esta exhibición el elemento cromático utiliza cortes de PVC como soporte, cada uno meticulosamente lijado para maximizar su capacidad de absorción, lo cual le confiere a los colores utilizados una intensa e hipnótica profundidad mate que atrae y atrapa la mirada como juguete de paquete.

Bruñido hasta que refleje luz como si fuese espejo, el acero inoxidable pulido comenzó a figurar en el trabajo de Cisco más recientemente, en obras como Reflex (2017), y Espejismo La Habana (2019). Para Cisco, el acero representa la idea del espejo y también el espejismo, un elemento que nos refleja una imagen (distorsionada) de quiénes somos y nos confronta con las resbaladizas quimeras de nuestros sueños y aspiraciones colectivas, para bien y para mal. Como material de construcción el cristal representa sobretodo la arquitectura moderna y post-moderna característica de la turba de torres
corporativas que rasgan los cielos de la ciudad de Panamá; y aunque la idea del vidrio es exánime y fría, como materia atrapa y potencia el calor, lo cual lo hace poco apto para el suda que suda incesante de nuestro clima neotropical.

Diametralmente opuesta a la fría tersura sintética y reflectante del acero pulido está el rugoso craquelado orgánico del barro, cosmogónico y milenario material de construcción (en la tradición judeocristiana “Dios creó al hombre del polvo de la tierra; de barro lo formó.”), estrechamente asociado a la infancia y adolescencia de Cisco, quien pasaba largas temporadas de visita veraniega en la antiquísima casa de
piedra, tierra y quincha de su abuela Mercedes, ubicada en Sabanagrande, provincia de Los Santos. Cisco comenzó a ensayar con el barro en su obra hace a penas cinco años, cuando pasó una temporada prolongada en Pedasí, periodo durante el cual produjo varias esculturas prototípicas de tierra seca y participó en una junta de embarre que lo marcó profundamente. Ya de vuelta en la ciudad, continuó
experimentando esporádicamente con distintos tipos de tierra, fango, légamo y cieno, calibrando su espesor, viscosidad, textura y contextura para diferentes usos en diversas obras. En marzo del 2018, produjo La pisada, un happening (acción participativa) en la Casa del Soldado (CCE), donde invitó al público a jugar y bailar en el barro para ejecutar “la pisada”, uno de los gestos puntuales más icónicos de una junta de embarre. En julio del mismo año, Cisco participó en Trueque, una muestra colectiva organizada en el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá y curada por Gladys Turner, en la cual presentó Primitivo 18, (un cuadro pintado con barro y pintura acrílica sobre lienzo) y Reflex/18 (una escultura hecha de madera y espejo acrílico). Luego exhibió Terrenos (una serie de cuadros pintados con tierra y pintura acrílica sobre lienzo) en una exhibición colectiva que tuvo lugar aquí en NG Art Gallery en marzo del 201 Convergent Evolution es la primera muestra individual de Cisco que incorpora el uso del barro de manera sistemática y formal.

Color (plástico), espejo (acero pulido) y barro (tierra): materiales constructivos primarios desemejantes que convergen para esta exhibición en una serie de composiciones elementales, depuradas y potentes. ¿Pero cómo decidió Cisco ordenar esos tres materiales para crear cada pieza individual? Como de costumbre, su método de configuración se basó en la contemplación metódica del paisaje urbano panameño; en términos más específicos, los patrones o esquemas organizativos los derivó de tres fuentes
principales: estructuras observadas en la arquitectura vernácula e improvisada de barrios populares como Río Abajo, San Sebastián y Calidonia; elementos de construcción observados en zonas industriales como las que hay cerca de Bethania y Tocumen; y patrones de distribución urbana observables en imágenes cenitales satelitales de comunidades amuralladas de clase alta, como Costa del Este, Santa María o Versailles.

Convergent Evolution, una serie tipológica de ensamblajes topológicos, donde convergen color, espejo y barro, tres elementos conceptuales cargados de capas y constelaciones de significados; un recorrido por el mundo, la mirada y la mente de Cisco, donde confluyen plástico, acero y tierra, tres materiales minuciosamente tratados, abstraídos, conjugados y exhibidos con la intención de captar, sintetizar y transmitir las atmósferas exuberantes, volátiles y complejas del accidentado territorio palimpsesto psico-geográfico que llamamos Panamá.

Convergent Evolution ocupará las salas de NG Art Gallery durante el resto de abril y hasta mediados del mes de junio de 2022.

Regresa a NG Art Gallery Gerardo Mosquera, con otra curaduría que aborda los derroteros del paisaje contemporáneo, en este caso materializados en la obra de Luis Cruz Azaceta y Glexis Nova.

Gerardo Mosquera es un curador, crítico, historiador de arte, y escritor independiente, con sede en La Habana, Madrid y el mundo. Asesor de la Rijksakademie van Beeldende Kunsten en Ámsterdam y de otros centros internacionales de arte. Fue cofundador de la Bienal de La Habana (1984-1989), Curador del New Museum of Contemporary Art, Nueva York (1995-2007), y Director Artístico de PhotoEspaña, Madrid (2011-2013).

Ha curado numerosas bienales y exposiciones internacionales. Autor y editor de numerosos textos y libros sobre arte contemporáneo y teoría del arte, publicados en distintos países e idiomas. Su último libro, Arte desde América Latina (y otros pulsos globales), apareció recientemente en Ediciones Cátedra, Madrid. Es miembro del consejo asesor de varias revistas internacionales. Ha impartido conferencias en los cinco continentes. Recibió la Beca Guggenheim, Nueva York, en 1990. En sus propias, respecto a Paisaje al Límite 2:

«Esta muestra continúa la presentación en NG Art Gallery de artistas que transforman el viejo género del paisaje, al usarlo más como un medio que como un fin en sí mismo. En el 2019 fue una bipersonal de los guatemaltecos Alfredo Ceibal y Roberto Escobar, y ahora otra de dos cubanos, también de generaciones alejadas en el tiempo. Se muestran así ejemplos importantes de una tendencia del arte contemporáneo que libera y enriquece la representación del paisaje, llevándola al tope de sus posibilidades funcionales.

Luis Cruz Azaceta (1942) es un clásico: uno de los grandes artistas mundiales del neoexpresionismo. Si otro cubano, Wifredo Lam, pintó la jungla –el monte místico afrocubano– no sólo en el cuadro homónimo, Azaceta ha sido el pintor de la Jungla de Asfalto, de la terribilità de las babeles contemporáneas. Sus paisajes urbanos están vivos como los de Lam, pero de modo diferente. Gritan los problemas sociales que sacuden a nuestras urbes: violencia, drogas, racismo, represión, desigualdad, miseria… y guerra en algunos casos tan horribles como demasiado frecuentes.

El artista ha acuñado un lenguaje personal basado en el pop, el cómic, el grafiti, la gran tradición histórica del expresionismo, y el grotesco social epitomizado por Goya. Él ha definido su obra como un “pop apocalíptico”. Pero aquella va más allá, al ser resultado de una vasta exploración pictórica que transita por derroteros inesperados sin abandonar el pathos, el estilo y, en fin, la poética que caracterizan al artista. Este ha comentado que cuando se percibe repitiendo fórmulas que ha establecido y dominado, cambia de inmediato hacia una nueva aventura artística. Una de las más interesantes es su aproximación al arte abstracto, signada por la tensión de ser un pintor eminentemente figurativo. El resultado es un híbrido sorprendente y muy actual. Es asombrosa la inventiva que ha garantizado una frescura permanente a su trabajo.

En la pequeña selección que aquí presentamos se aprecia el uso libérrimo del paisaje en algunas de las vertientes esbozadas. Incluye además el autorretrato-paisaje, imprescindible, ya que buena parte de su obra son autorretratos anti-narcisistas, autorretratos como participación en y testimonio de las desgracias del mundo. Podemos sumergirnos además en un par de skylines con reflejos fantasmáticos que dialogan con los dibujos de Glexis Novoa (1964) aquí expuestos.

En efecto, las obras de este artista son también horizontes urbanos inquietantes. Pero, al contrario de Azaceta, quien aquí se mantiene fiel al lienzo, Novoa crea estos dibujos sobre soportes inesperados. Podemos seguir una de sus grafías a todo lo largo de la pared del piso superior, como en un viaje por paisajes ignotos. Hecha a lápiz, es tan sutil que a primera vista podría parecer que la pared está desnuda. Otras tres han sido realizadas sobre pedazos de mármol, en una mezcla de dibujo delicadísimo, escultura y soporte trouvé.

Todas son representaciones minuciosas de arquitecturas que unen modernidad y totalitarismo. Nos recuerdan así que el voluntarismo por forzar una revolución económica, social y cultural propios del fascismo y el comunismo –como estos sistemas en sí mismos–, son hijos monstruosos de los ideales utópicos de la modernidad. Las urbes de Novoa son utopías que han devenido su opuesto. Si Azaceta lleva al grotesco expresionista la dura realidad de nuestras ciudades, Novoa nos turba con la irrealidad inhumana de ciudades perfectas y vacías. Sus panoramas urbanos y su arquitectura de imaginación exaltada son tan impecables como preocupantes: el fruto de una modernidad perversa. La exquisitez del dibujo casi invisible contrasta con la grandiosidad, a menudo impostada, de los edificios y monumentos que ha representado, en un contraste de pesadilla.

Estos contenidos se corresponden con otro derrotero del trabajo de Novoa: sus pinturas e instalaciones pictóricas basadas en un alfabeto cirílico de invención y en recursos formales de la vieja propaganda revolucionaria soviética, o en ella inspiradas. Con estas piezas articula textos incompatibles con lo que se esperaría de esta representación. El artista ha dedicado así su obra toda a deconstruir retóricas vacías, opresivas, y sueños tan falsos como engañosos.»

Paisaje al Límite 2 ocupará las salas de NG Art Gallery desde el 15 de febrero y hasta el 15 de abril de 2022.

Con un mundo cada vez más lejano de la inusual realidad de la pandemia y sus circunstancias, las galerías ferias de arte retoman sus acostumbrados rituales anuales. En el caso de NG Art Gallery, la cita no se hace esperar en SCOPE Miami Beach, una de las ferias satélites de Art Basel Miami; y Ch.ACO, en Santiago de Chile.

En el caso de la feria chilena, en la que NG Art Gallery ha participado ininterrumpidamente desde el 2015, han optado por una variante online, en colaboración con la plataforma de aseroría de arte Red Collectors. NG Art Gallery participa en la feria con una versátil selección que incluye obras de Emmanuel Moses, Mr. Brainwash y Jorge Otero.

SCOPE Miami Beach, por su parte, retoma Miami celebrando 20 años de presencia en sus playas, con más de 140 galerías internacionales, las cuales convivirán con conversatorios de de expertos y eventos nocturnos. La feria exhibirá además con un grupo de instalaciones de primer nivel, que incluyen nombres como el artista ambiental Saype; el peruano Joan Jiménez, también conocido como Entes; y una instalación de NFTs producto de una colaboración entre la galería Superchief y el grupo WHIP.

NG Art Gallery estará participando en SCOPE Miami Beach con una selección de artistas que incluyen a Jorge Otero, Emmanuel Moses, Cisco Merel, William Acosta y José Ángel Vincench.

SCOPE Miami Beach abre sus puertas el 30 de noviembre para invitados Platinum y VIP, y estará abierto, ya para público general entre el 1 y el 5 de noviembre de 2021.